April Skies

Saint Pop

2012-01-24T21:57:00.001Z

Embora nos últimos meses nos tenham brindado com reedições em catadupa, dos Saint Etienne não se escuta material inédito há sete anos, desde a altura do álbum Tales From The Turnpike House. Se bem se lembram, esta foi a banda que, há duas décadas, trouxe a dança para a pop, ou vice-versa, consoante o ponto de vista. Apesar de alguns tiques de francesismo, desde cedo que a fábrica de hits dos Saint Etienne não escondia uma obsessão pela cultura popular genuinamente britânica, em particular pelos tempos da swinging London. Com o correr dos anos, a música tornou-se mais atmosférica, contemplativa até, retendo, no entanto, toda a elegância que a figura da vocalista Sarah Cracknell personifica.

Sabemos agora que o fim do silêncio está para breve. Parece que o novo ano promete novo álbum, por sinal um recuo às sonoridades mais dançantes do passado. Parece também que as velhas raposas Bob Stanley e Pete Wiggs puxam da cartilha para nos emergir no mundo mágico de referências pop. O primeiro sinal do regresso ao passado é o avanço "Tonight", no qual Sarah, possuída pelo espírito teenager, expressa toda a excitação que precede a ida a um concerto, com detalhe nos preparativos. Por outro lado, é o próprio Stanley que nos afiança que o disco que aí vem é todo ele uma celebração do poder da pop, e da forma como ela afecta e condiciona as nossas vidas. Dancemos a isso, então!

"Tonight" [Heavenly, 2012]

Ao vivo #79

2012-01-23T21:26:00.000Z

Male Bonding @ MusicBox, 21/01/2012

Desde a primeira e única vez que os tinha visto, há pouco mais de um ano, algo mudou na vida dos londrinos Male Bonding. Desde logo, ocorreu a edição de um segundo álbum, confirmação de que a banda é um valor seguro das actuais expressões indie. Ao vivo há também mudanças, com a integração de um segundo guitarrista, que alarga a formação a quarteto. Esta mudança justifica-se pela sonoridade desse segundo disco, mais encorpado quando comparado com as malhas esquálidas do debute.

É precisamente - e naturalmente - o mais recente registo que serve de base à ementa da noite. A abrir, "Tame The Sun" apanha o público ainda frio e é também prejudicado pelo baixo volume do microfone de Kevin Hendrick. Debelado este pequeno problema, e com o som, ainda assim, em condições deficientes (um hábito em demasiadas salas da capital), a banda não se deixa perturbar e arranca para uma actuação segura, e sem pausas para descanso, que recolhe a aprovação do público, em número bastante inferior ao desejável. Aos riffs afiados e aos ritmos do punk mais saltitante, agora adornado pela profusão de coros com onomatopeias (o skate-punk encontra o surf-punk?), a assistência sacudindo o corpo em crescente frenesim, chegando, inclusive, a provocar uma pequena escaramuça na zona mais próxima do palco. A empatia parece ser mútua, e a banda surge mais comunicativa do que aquilo que lhes conhecia.

Apesar da predilecção por Endless Now no alinhamento, são ainda os temas do anterior Nothing Hurts a merecer as recepções mais efusivas. No soberbo "Franklin", as vozes do público perdem a timidez e fazem-se ouvir durante o refrão. Já no crepitante "Year's Not Long", a banda foge à norma da fidelidade às versões gravadas e ensaia um delírio instrumental na parte intermédia, deixando à solta o espírito dos primeiros Nirvana. Foi apenas o momento mais alto de um concerto que abre com nota alta a temporada 2012.

R.I.P.

2012-01-21T20:45:00.000Z

ETTA JAMES

[1938-2012]

"You guys know your president? You know the one with the big ears? Wait a minute, he ain't my president. He might be yours; he ain't my president. But I tell you that woman he had singing for him, singing my song - she's going to get her ass whipped."

- Reacção de Etta James, em 2009, a propósito da interpretação de "At Last" por Beyoncé, perante o presidente dos E.U.A.

Já não lhe bastava a vida conturbada, com consumo de drogas incluído, e até que uma boa parte das novas gerações a reconheçam apenas através da publicidade. Até o presidente pop a preteriu em favor daquela que, precisamente, representou no grande ecrã. Porém, resta-nos o consolo de saber que quem não resume a cultura popular à "cultura do imediato" tem plena consciência que aquela que ontem se calou foi uma das grandes vozes da América do último século. Uma Voz que soube, como poucas, adaptar-se a géneros: dos blues à soul, do jazz ao rock'n'roll, passando ainda pelos espirituais negros. Rest in peace, Miss Peaches!

"At Last" [Argo, 1960]

All the people he likes are those that are dead

2012-01-19T22:21:00.001Z

Foto: Pete Millson

Lawrence (sem apelidos, sff) é um dos músicos mais idiossincráticos, mas também dos mais contra-corrente, personagens da pop britânica dos últimos trinta anos. Nos idos de oitenta idealizou os Felt, para os quais escreveu algumas das letras mais ricas e complexas de que há memória. Um veículo para a reverência a Tom Verlaine e aos Television, a banda esteve longe de almejar a ambicionado sucesso comercial, apesar do firme culto gerado em seu redor e que ainda perdura. Contudo, conseguiu o principal intento aquando da formação: dez álbuns em dez anos, outros tantos singles. Em inícios da década de 1990, Lawrence encabeçou os Denim, guinada no sentido do glam-rock infectada de uma ironia corrosiva relativamente à madrasta década anterior. Menos prolífico, este projecto deixou gravados dois álbuns, e um terceiro que nunca viu a luz do dia, pura e simplesmente por causa do boicote ao tema de avanço ("Summer Smash"), lançado na mesma semana da morte de Lady Di. Com o fim do milénio chegaram os Go-Kart Mozart, até agora responsáveis por um trio de discos corroídos por impulsos synth-pop e, provavelmente, o mais discreto dos projectos, isto segundo os critérios do reconhecimento lawrencianos.

Em 2012, quando o sucesso de Lawrence é apenas um probabilidade remota para o mais devoto dos fiéis, o seu nome parece estar mais na ordem do dia que nunca. Prestes a chegar ao mercado do DVD está Lawrence Of Belgravia (dupla referência à figura histórica britânica e ao bairro de residência até ao despejo), o documentário da autoria de Paul Kelly, realizador com considerável currículo no universo indie, que passou pela última edição do London Film Festival. O filme, descrito como um "trabalho de amor", acompanha os últimos oito anos do nosso herói, com recuos ao passado de todo um errático percurso. Já à venda está Felt, um livro de fotografias de tiragem limitada a mil exemplares que, obviamente, contempla a mais emblemática banda do currículo de Lawrence. Cada exemplar é numerado e assinado pelo próprio, e o prefácio ficou a cargo de Bob Stanley, influente jornalista musical e fundador dos Saint Etienne.

Felt _ "Penelope Tree" [Cherry Red, 1983]

Denim _ "I'm Against The Eighties" [Boy's Own, 1992]

Go-Kart Mozart _ "Here Is A Song" [West Midlands, 1999]

O jogo das diferenças #3

2012-01-18T19:39:00.000Z

ELVIS PRESLEY

50,000,000 Elvis Fans Can't Be Wrong: Elvis' Hold Records - Volume 2

[RCA Victor, 1959]

THE FALL

50,000 Fall Fans Can't Be Wrong - 39 Golden Greats

[Sanctuary, 2004]

Reavivar da memória

2012-01-17T22:02:00.000Z

Recém entrado na casa dos vinte, Dylan Baldi, até há pouco o único membro de pleno direito dos Cloud Nothings, já ensaiou mais reviravoltas estéticas que muitos veteranos em décadas de carreira. No pouco divulgado registo de estreia (Turning On, de 2009), decifravam-se esboços de canções escorreitas sob a "baixa fidelidade" caseira. Já no álbum homónimo do ano passado, notório passo rumo a uma maior limpidez, Baldi enveredava pelo mesmo punk-pop com sabor a Verão que tem entretido muitos jovens músicos na terra do Tio Sam. Disco mais que satisfatório, Cloud Nothings viu-se ofuscado por alguns antecessores a operar no mesmo comprimento de onda.

Com a chegada do novo ano temos novo disco, e com ele nova mudança, que desta feita poderá firmar em definitivo Baldi como um valor seguro nos meandros indie-pop norte-americanos. Chama-se Attack On Memory e chega no próximo dia 23, com selo da Carpark. Quem conhece o anterior trabalho do seu autor ficará surpreendido pelo significativo incremento na densidade e na complexidade das texturas, o que o coloca a par de algumas das propostas mais arrojadas do chamado post-hardcore de outrora. Os saudosistas dos excelsos Unwound reconhecerão aqui pontos de contacto, sobretudo na alternância da calmaria com a tensão, esta expressa na berraria incontida. No comando das gravações esteve Steve Albini, que com este soma mais um ponto no estatuto de "produtor" mais capaz de extrair as qualidades ingénitas de uma banda. Em suma, digamos que Attack On Memory é mais um atestado de que as boas memórias de noventas vieram para ficar, ou apenas o primeiro grande disco de 2012. Decidam depois de ouvir:

Mil imagens #26

2012-01-16T21:31:00.000Z

Edwyn Collins - Londres, 1997

[Foto: Joe Dilworth]

Let's look at the trailer!

2012-01-16T21:22:00.000Z

Revelados como uma das esperanças da nova música britânica, os Trailer Trash Tracys chegaram ao meu conhecimento através do brilhante "Candy Girl", um tema cujo início fazia lembrar a versão de "Kangaroo" pelos This Mortal Coil, embora evoluísse para uma sonoridade indie mais canónica. Amadurecidas as ideias, o quarteto londrino acaba de lançar o tão desejado álbum de estreia. Ester, de seu nome, o disco inclui uma dezena de temas, entre eles o citado numa gravação ligeiramente diferente, mas que não desfaz as comparações. Aliás, todo o conjunto navega numa onda semi-orgânica, semi-electrónica, que faz lembrar as sonoridades da pop sonhadora e com pretensões artísticas que fizeram uma parte da história da 4AD. As mesmas referências são extensíveis à capa, da autoria de Kurt Ralske, mentor dos Ultra Vivid Scene, precisamente uma das bandas do melhor período da editora londrina. Num primeiro contacto, Ester poderá causar alguma estranheza, muito por culpa do "desencontro" da suavidade da voz de Susanne Aztoria com a angularidade das texturas digitais. Porém, com a insistência, é dessa sobreposição de elementos contrastantes que resulta muito do encanto misterioso do disco.

"Wish You Were Red" [Double Six, 2012]

Uma simples canção

2012-01-12T22:28:00.001Z

Apesar de serem, provavelmente, a banda mais consistente em termos de obra no novo século, não se pode considerar os The Shins os mais árduos trabalhadores deste mundo. Afinal de contas, desde que conquistaram os nossos corações, em 2001, têm apenas três álbuns, o últimos dos quais - Wincing The Night Away - já velho de cinco anos. Confesso que este longo hiato, associado ao conhecimento do feitio do mentor James Mercer, que alegadamente "despediu" todos os restantes membros de forma pouco amistosa, me fez suspeitar de um fim precoce e do começo de uma carreira a solo.

Mas o que é certo é que a banda prossegue, inclusive agora alargada a quinteto. Um dos novos membros é o amigo, e também autor de obra em nome próprio, Richard Swift, o outro é Joe Plummer, baterista dos também amigos Modest Mouse. Melhor notícia do que a continuidade é saber que o quarto álbum está eminente. Chama-se Port Of Morrow, chega lá para meados de Março, e leva selo da editora do próprio Mercer, portanto o primeiro fora da Sub Pop Records. Pelo primeiro tema avançado, somos levados a crer que segue mais próximo da linha límpida do último registo do que propriamente das aproximações ao psicadelismo dos primórdios, ligeiramente mais do meu agrado. De qualquer das formas, não deixa de ser uma p*** de uma canção. Ora oiçam:

"Simple Song" [Aural Apothecary, 2012]

A brigada que veio do frio

2012-01-12T22:05:00.001Z

Reconheço o equívoco: até há pouco, sempre que tropeçava no nome dos Iceage, imaginava mais uma banda a operar na reciclagem chill/dark-wave. Talvez tenha sido do nome, talvez tenha sido da origem dinamarquesa, pois já se sabe da tendência dos nórdicos para a recuperação de lixo tóxico. Por conseguinte, retardei a audição do álbum-estreia New Brigade, sem ter a mínima noção do que andava a perder. E o que andava a perder era simplesmente um dos melhores discos punk dos últimos anos, isto se entendermos o termo punk como uma descarga de adrenalina assistida pela electricidade.

Partindo das premissas mais básicas associadas ao "género", nos seus escassos 25 minutos, New Brigade convoca ainda sensibilidades hardcore e até góticas. As primeiras manifestam-se na tendência para a ruideira e no tom de confronto do vocalista Elias Rönnenfelt, as últimas nas ambiências atmosféricas e, sobretudo, na simbologia pagã da capa. Porém, esteticamente, será mais ajustado arrumar New Brigade no amplo rótulo post-punk, pois reúne algumas das características dos grandes nomes desse período concreto: atonalidade, experimentação e miscigenação. Em jeito de remate simplista, diria que soa a algo próximo de uns These New Puritans do começo, mas com ideias já definidas. Tão mais surpreendente se tivermos em conta que todos os quatro Iceage andam na casa dos 18/19 anos.

"White Rune" [What's Your Rupture?, 2011]

"You're Blessed" [What's Your Rupture?, 2011]

Singles Bar #71

2012-01-09T21:44:00.001Z

WIRE
Outdoor Miner
[Harvest, 1978]

Não é fácil para os seguidores - mesmo os mais próximos - dos Wire acompanhar as viragens estéticas da banda formada em Londres em pleno turbilhão punk. Até às descargas abrasivas que pontuam alguns trabalhos mais recentes, partiram da subversão arty do punk, e prosseguiram por uma via oblíqua que apenas tangia a pop ao de leve. Nunca amarrados a conceitos estandardizados, traçaram um caminho que talvez não conheça paralelo na música popular dos últimos 35 anos.

No já vasto reportório há objectos estranhos, mais próximos das premissas pop, mesmo que sujeitos ao devido "tratamento Wire". É o caso de "Outdoor Miner", o único tema neste longo percurso que foi capaz de conquistar o estatuto de hit, não tanto pelo sucesso em termos de vendas, mas mais pelo considerável número de versões de que tem sido alvo. Mesmo no contexto de maior concessão à normalidade melódica do segundo álbum (Chairs Missing), "Outdoor Miner" destoa pela suavidade e a leveza vapororosa, características possíveis por via da contenção da voz e das texturas dos teclados liquefeitos. Curiosamente, e contrariamente ao que é comum, na versão single o tema tem uma duração ligeiramente superior àquela que é incluída no álbum, esticando-o assim para tempos mais próximos do formato radiofónico. Da letra, contudo, não esperem discernir quaisquer clichés pop: é a habitual ambiguidade, só decifrável na mente de Colin Newman, o seu autor.

First Exposure #40

2012-01-07T15:59:00.001Z

HOOKWORMS

Formação: MJ (voz, tcls); EG (gtr); MB (bx); SS (gtr); JW (btr)

Origem: Leeds, Inglaterra [UK]

Género(s): Indie-Rock, Space-Rock, Psych-Rock, Kraut-Rock

Influências / Referências: Spacemen 3, Loop, Wooden Shjips, Spectrum, The Verve, Can

http://hookworms.bandcamp.com/

"Teen Dreams" [Faux Discx/Gringo, 2011]

Good cover versions #61

2012-01-05T22:43:00.000Z

VERONICA FALLS _ "Thorn In My Side" [Bella Union, 2011]
[Original: Eurythmics (1986)]

Representantes da vaga revivalista da C86 em solo britânico, os Veronica Falls têm tido a sua quota parte de responsabilidade pelo renascer do entusiasmo relativamente à música que se faz em terras de Sua Majestade. No esplendoroso álbum de estreia do ano passado, esquivavam-se do rigor das premissas jangle/twee, dando um cunho pessoal à coisa por via do abuso da reverberação, de uma certa obsessão pela fantasmagoria, e pelo ligeiro travo surfy. São também essas as regras impostas na "reinvenção" de "Thorn In My Side", tema enriquecido pelas harmonias girl/boy que resulta como uma versão twee dos saudosos Sons and Daughters dos primeiros tempos.

Portanto, a versão em apreço difere radicalmente do original dos Eurythmics, na altura uma parelha já estabelecida no mainstream e completamente afastados da linguagens new-wave/synth-pop dos primórdios. "Thorn In Me Side" é a típica abjecção de meados de oitentas, à qual não falta sequer o saxofone de gosto dúbio. É música calculada para FMs de programação formatada, com respectivo vídeo destinado a canais televisivos estagnados e apostados na exploração da imagem forte da dupla. Hoje é, provável e sintomaticamente, o tema mais difundido dos Eurythmics na praga de recuo aos eighties que continua a alastrar.

Conhecer Frankie

2012-01-04T21:37:00.001Z

Nova-iorquina de nascimento, angelina de quando em quando, Frankie Rose tem um trajecto intimamente ligado à "nova" indie-pop norte-americana de génese britânica. No currículo conta já com passagens breves, sempre nas funções de baterista, pelas Vivian Girls, pelos Crystal Stilts, e pelas Dum Dum Girls. O seu lugar, contudo, era o de frontwoman, algo que veio a concretizar-se com o álbum homónimo do quarteto Frankie Rose & The Outs. Deste combo ainda guardo memórias do par de concertos em festival madrileno, ocasião em que, após a empatia do primeiro encontro, quase cheguei a assumir um papel equiparado ao de groupie das moças. E que belas moças, refira-se.

Ano novo, vida nova, e Frankie está agora a fazer música completamente em solitário. O primeiro álbum está já previsto para a segunda metade de Fevereiro e promete renegar as referências C86 das anteriores aventuras. Chamar-se-á Interstellar e vem antecedido pelo single que pode ser escutado mais abaixo. Da meia dúzia de audições e das informações avulsas é possível aferir que Frankie está agora apostada numa pop mais leve e límpida, próxima de algumas das bandas que fizeram a história da 4AD no tempo em que a editora britânica ainda divulgava algo de novo. Ora oiçam:

"Know Me" [Slumberland, 2012]

Count five!

2012-01-02T21:34:00.001Z

Há precisamente cinco anos teve início esta aventura chamada April Skies. Nestes últimos sessenta meses, já se contabilizam mais de um milhar de posts, dedicados a centenas de discos, a centenas de concertos, a centenas de bandas. Porém, muito há ainda por dizer e, pese embora uma menor frequência das publicações nos últimos tempos, o entusiasmo é o mesmo daquele dia 2 de Janeiro de 2007. Por isso, conto com vocês desse lado para, pelo menos, outros cinco. Tantos como os que tinha a pequenita daquela canção que nos deu a conhecer a "elfa" islandesa:

The Sugarcubes _ "Birthday" [One Little Indian, 1987]

Classe de 2011

2011-12-31T12:52:00.002Z

Nas lides musicais pop/rock, fim de ano é sinónimo de balanço. No April Skies gostamos de deixar a coisa mesmo para o fim, não vão os últimos dias do ano revelar-nos algum tesouro perdido que nos tenha escapado ao radar nos dias restantes. Este ano, em particular, a eleição dos melhores discos exigiu uma maior ponderação, tal a qualidade das propostas a concurso, o que faz de 2011, seguramente, o melhor dos anos musicais dos últimos sete ou oito. Pormenor curioso é que, salvo uma ou outra honrosa excepção, desta feita os "consagrados" nem tiveram contributo de monta para o que de melhor se fez durante os últimos doze meses. Em 2011 a parte de leão na elite da produção pop/rock coube, essencialmente, a neófitos e a promessas que se confirmaram, o que faz esperar um futuro radioso para 2012 e seguintes. É também isso que espero e desejo para todo o vasto auditório deste pasquim: pessoal, no novo ano, apesar das agruras que nos impõem, sejam felizes e oiçam muita e boa música! Até lá!

30 ÁLBUNS

REAL ESTATE _ Days
YUCK _ Yuck
CRYSTAL STILTS _ In Love With Oblivion
KURT VILE _ Smoke Ring For My Halo
VERONICA FALLS _ Veronica Falls
DIRTY BEACHES _ Badlands
EMA _ Past Life Martyred Saints
WILD FLAG _ Wild Flag
LOW _ C'mon
GANG GANG DANCE _ Eye Contact
THE FEELIES _ Here Before
CREEPOID _ Horse Heaven
TIM HECKER _ Ravedeath, 1972
MALE BONDING _ Endless Now
WU LYF _ Go Tell Fire To The Mountain
CRAFT SPELLS _ Idle Labor
SMITH WESTERNS _ Dye It Blonde
MINKS _ By The Hedge
GIRLS NAMES _ Dead To Me
THE WAR ON DRUGS _ Slave Ambient
TORO Y MOI _ Underneath The Pine
TY SEGALL _ Goodbye Bread
STEPHEN MALKMUS & THE JICKS _ Mirror Traffic
DUM DUM GIRLS _ Only In Dreams
WOODS _ Sun & Shade
MOON DUO _ Mazes
JOSH T. PEARSON _ Last Of The Country Gentlemen
CHARLES BRADLEY _ No Time For Dreaming
ONEOHTRIX POINT NEVER _ Replica
PETE & THE PIRATES _ One Thousand Pictures

10 EPs

DUM DUM GIRLS _ He Gets Me High
CRYSTAL STILTS _ Radiant Door
THE FRESH & ONLYS _ Secret Walls
BRAIN IDEA _ Cosmos Factory
KURT VILE _ So Outta Reach
BEACH FOSSILS _ What A Pleasure
WAVVES _ Life Sux
THE SOFT MOON _ Total Decay
ETERNAL SUMMERS _ Prisoner
THE VANDELLES _ Summer Fling

10 REEDIÇÕES / COMPILAÇÕES

RIDE _ Nowhere
SEBADOH _ Bakesale
R.E.M. _ Lifes Rich Pageant
THE BEACH BOYS _ The SMiLE Sessions
DISCO INFERNO _ The 5 EPs
SUPREME DICKS _ Breathing And Not Breathing
ARCHERS OF LOAF _ Icky Mettle
BITCH MAGNET _ Bitch Magnet
THROBBING GRISTLE _ 20 Jazz Funk Greats
THE SERVANTS _ Youth Club Disco

15 CONCERTOS

DEAN WAREHAM plays Galaxie 500 @ Primavera Sound - Barcelona, 28 Mai.
REAL ESTATE @ Galeria Zé dos Bois - Lisboa, 03 Dez.
BONNIE 'PRINCE' BILLY @ Teatro Maria Matos - Lisboa, 24 Out.
DEAN WAREHAM plays Galaxie 500 @ Casa da Música - Porto, 19 Nov.
GLENN BRANCA ENSEMBLE @ Primavera Sound - Barcelona, 26 Mai.
MERCURY REV @ Primavera Sound - Barcelona, 29 Mai.
BARDO POND @ Galeria Zé dos Bois - Lisboa, 29 Out.
DIRTY BEACHES @ Galeria Zé dos Bois - Lisboa, 21 Jul.
DEERHUNTER @ Primavera Sound - Barcelona, 27 Mai.
SWANS @ Aula Magna - Lisboa, 09 Abr.
LOW @ Primavera Sound - Barcelona, 27 Mai.
PUBLIC IMAGE LTD. @ Primavera Sound - Barcelona, 26 Mai.
TIM HECKER @ Galeria Zé dos Bois - Lisboa, 29 Abr.
PERE UBU @ Primavera Sound - Barcelona, 27 Mai.
SIX ORGANS OF ADMITTANCE @ Teatro Maria Matos - Lisboa, 10 Set.

Discos pe(r)didos #60

2011-12-28T22:38:00.001Z

THE PALE FOUNTAINS
Pacific Street
[Virgin, 1984]

Podem nunca ter gozado do reconhecimento público de um Ian McCulloch ou de um Julian Cope, mas o que é certo é que o tempo e obra têm feito dos irmãos Michael e John Head duas das figuras de referência da "cena" de Liverpool da última trintena de anos. Actualmente a militar nos semi-obscuros mas meritórios Shack, os dois irmãos iniciaram o percurso musical nos alvores de oitentas, então como fundadores dos The Pale Fountains, banda de vida breve com um fascínio pelos Love e, previsivelmente, pelos Beatles que, em certa medida, poderá ser vista como o elo perdido entre os arremedos psicadélicos dos Echo & The Bunnymen e a sofistificação pop dos Prefab Sprout.

Para a posteridade ficou um par de discos, o primeiro dos quais Pacific Street, obra prenhe de urgência juvenil e exímia na assimilação das referências para a confecção de uma pop sem pruridos em se assumir como tal. O positivismo que o percorre poderá ter sido determinante para o relativo insucesso, ou não fossem aqueles tempos de gravidade e dramatismo encarnados pelos Smiths ou pelos próprios Bunnymen. Esse factor, que faz de Pacific Street um disco alheado do seu tempo, acaba por resultar, volvido mais de um quarto de século, como a pedra de toque para o estatuto de culto que a voragem do tempo lhe conferiu.

À margem dos ícones incontornáveis e já citados, os Pale Fountains olham para as manifestações pop recentes, operadas ali perto, a norte, na Escócia, por gente como os Orange Juice ou os Aztec Camera. Os primeiros estão bem presentes no frenesim de sopros e no balanço funky que percorrem, respectivamente, temas como "Unless" ou "Natural", os segundos no carácter delicodoce, no sentido melódico, e nos tiques de flamenco de "Beyond Friday's Field", "Reach", e "Something On My Mind". Este último é, inclusive, um dos temas imediatamente mais cativantes de todo o disco, apenas superado por "You'll Start A War", tratado pop em pouco mais de três minutos e meio impregnados de um romantismo que já não se usa. Como jovens letrados e ambiciosos, aos Pale Fountains perdoa-se algum pretensiosismo próprio da idade, na circunstância manifestado no díptico "Faithfull Pillow", dois curtos instrumentais que em nada beliscam o cariz intensamente pop do todo.

No ano seguinte ao de Pacific Street, os Pale Fountains deram à estampa ...From Across The Kitchen Table, disco seguidor das premissas do antecessor mas caracterizado por uma maior efusividade. Ao virar da esquina estava a dissolução e a formação dos Shack, mais uma banda para a qual a indiferença do público é compensada pelo reconhecimento crítico e pelo facto, mais ou menos consumado, de, juntamente com os conterrâneos The La's, terem estado na origem daquilo que convencionou chamar-se britpop. Os anos a pregar aos peixes dos irmãos Head tiveram também a merecida recompensa nas muitas vezes que acompanharam em palco o guru Arthur Lee, tal como eles alguém a quem nunca terá sido dado o devido crédito.

"Something On My Mind"

"You'll Start A War"

"Natural"

Factory record

2011-12-27T23:06:00.001Z

No ano passado, o regresso aos palcos da formação "clássica" dos Guided by Voices (a de meados da década de 1990) foi acolhida por estas bandas em estado de euforia. Embora as primeiras datas apenas previssem a cobertura do território dos states, havia um desejo secreto de que um dia se estendessem a um Primavera Sound, algo que ocorrerá em Maio/Junho próximos, em mais uma edição do festival de Barcelona na qual conto marcar presença.

Agora, em estado de histeria, fico também a saber que há novo disco previsto para meados do próximo mês de Janeiro. Chama-se Let's Go Eat The Factory e, caso Robert Pollard e companhia não nos presenteiem até lá com mais meia dúzia de registos, deverá constituir o prato principal da passagem pelo evento catalão. Gravado em regime de itinerância, o novo disco é anunciado por quem já teve a sorte de o ouvir como "típico GbV para indefectíveis", desde logo pelo generoso número de 21 faixas. É também descrito como crescido na vertente da composição, caseiro na parte da gravação, divertido e ambíguo nas temáticas abordadas. Portanto, características nada estranhas aos mais familiarizados com o universo GbV, os mesmos que, ainda segundo as mesmas fontes, reencontrarão uma banda contaminada pelo espírito de camaradagem, como se a separação temporária nunca tivesse ocorrido. O par de temas já antecipados faz-nos crer em tudo o que nos contam:

"The Unsinkable Fats Domino" [Fire, 2012]

"Doughnut For A Snowman" [Fire, 2012]

Do âmago do estômago

2011-12-27T22:18:00.001Z

Talvez derivado de uma mais tardia entrada em cena, desde cedo que os escoceses We Were Promised Jetpacks se viram alvo de comparações com os conterrâneos Frightened Rabbit e The Twilight Sad, também camaradas de editora. Questões conjunturais à parte, o que é verdade é que o álbum de estreia (These Four Walls, de 2009) tinha demasiados pontos de contacto com qualquer daquelas bandas para que se pudessem justificar somente pela vasta herança comum da riqueza musical da terra-natal.

Não obstante o tema "Through The Dirt And Gravel" soar a uma espécie de Frightened Rabbit com tiques nervosos, e de as propensões épicas próprias dos Twilight Sad assomarem a cada esquina, o novo In The Pit Of The Stomach é um verdadeiro golpe de asa, a emancipação do quarteto de Edimburgo relativamente aos seus pares. Arriscaria até afirmar que é a superação da obra mais recente e desinspirada daqueles. Desde o inaugural "Circles And Squares", percorrido por uma urgência que já não detectávamos desde os primeiros (e mais estimulantes) actos de revivalismo post-punk de alvores da década passada, que pressentimos uma banda com personalidade renovada. No seu todo, In The Pit... é um trabalho coeso e complexo nas suas muitas espirais em crescendo, emotivo e visceral como poucos em tempos recentes. Passará, decerto, desapercebido à maioria do rebanho consumidor de música, mas marcará, com toda a certeza, aqueles que lhes dedicarem mais que um par de audições.

"Human Error" [Fat Cat, 2011]

Mixtape #15 - If You Believe In Xmas Trees

2011-12-22T19:28:00.000Z

[Foto: Gottscho-Schleisner,Inc. (1944)]

Antes da pequena pausa que a época exige, o April Skies tratou de providenciar a vossa banda sonora para este Natal. A prenda que vos quero deixar no sapatinho consiste num conjunto de 15 faixas, obviamente alusivas à quadra e que podem muito bem constituir uma alternativa aos habituais Pogues ou Mariah C****. Reclamem o presente no link imediatamente a seguir ao alinhamento e tenham umas Festas Felizes.

01. CARDINAL _ "If You Believe In Christmas Trees"

02. COMET GAIN _ "Asleep On The Snow"

03. CRYSTAL STILTS _ "Practically Immaculate"

04. MOJAVE 3 _ "Breaking The Ice"

05. BEST COAST & WAVVES _ "Got Something For You"

06. ASOBI SEKSU _ "Merry Christmas (I Don't Wanna Fight Tonight)"

07. SHONEN KNIFE _ "Space Christmas"

08. THE JESUS AND MARY CHAIN _ "Birthday"

09. THE LONG BLONDES _ "Christmas Is Cancelled"

10. THE MAGNETIC FIELDS _ "Everything Is One Big Christmas Tree"

11. ATLAS SOUND _ "Artificial Snow (Notown Version)"

12. LOW _ "Santa's Coming Over"

13. TELSTAR PONIES _ "I Still Believe In Christmas Trees"

14. THE WALKMEN _ "No Christmas While I'm Talking"

15. VELOCITY GIRL _ "Merry X-Mas, I Love You"

http://www.mediafire.com/?1dd6wcbc77byz74

Hinos da alegria

2011-12-21T21:42:00.001Z

O ano ainda não terminou, ainda se ultimam os balanços, e o já se criam expectativas para os lançamentos musicais do ano que vem. O primeiro a merecer nota de destaque será certamente Hymns, o segundo álbum da dupla Cardinal, com edição prevista para o fim da primeira semana de 2012.

Para quem o nome pouco ou nada diz, relembro que os Cardinal são um dos segredos mais bem guardados da década de 1990. Constituídos pelo australiano Richard Davies e pelo norte-americano Eric Matthews, ambos vocalistas e multi-instrumentistas, deixaram para a posteridade apenas um único álbum homónimo, datado de 1994. Pese embora a indiferença a que foi votado aquando da sua edição, Cardinal tornou-se com o tempo um objecto de culto daquela pop sofisticada, letrada, e rica em arranjos, que habitualmente designamos "pop de câmara", em clara dissonância com o pendor rock normalmente associado à cidade de Boston, quartel-general da dupla. De então para cá, ambos os músicos se dedicaram a carreiras a solo, em qualquer dos casos na mesma obscuridade que o projecto conjunto. Do novo disco sabe-se que vai ter uma dezena de temas e que conta com a participação de vários convidados, entre eles a ex-Lush Miki Berenyii. Do mesmo, foi já divulgado um tema, indício de que Hymns poderá muito bem honrar o gosto refinado do seu antecessor. Ora oiçam:

"Love Like Rain" [Fire, 2011]

Sons da paralaxe

2011-12-20T22:12:00.001Z

Ao leme dos excelsos Deerhunter, Bradford Cox é uma das mais carismáticas e prolíficas figuras do cenário pop actual. Essa tendência para a hiper-actividade é extensível ao projecto pessoal Atlas Sound, um eventual tubo de ensaio para experiências a desenvolver na banda "principal". A solo, Cox reforça o intimismo caseiro, subvertendo muitas vezes os temas por via da manipulação até se assemelharem a meros esboços de canções. Já nos Deerhunter, não obstante alguma rebeldia aos cânones pop que faz deles uma banda singular, o formato estandardizado de canção é minimamente respeitado.

O maior pendor experimentalista dos Atlas Sound era uma verdade insofismável até à edição do recente Parallax, seguramente o mais convencional dos três discos do projecto e também o mais conseguido. Embora as perturbações electrónicas ainda tenham presença visível, o novo disco ganha em organicidade por via do protagonismo dado às guitarras e do papel secundário atribuído às pianadas discretas. Daí resulta um conjunto de canções frágeis mas ricas em detalhes, quase miniaturas da maior ostentação que conhecemos dos Deerhunter. Todas elas vêm ainda percorridas pelo habitual recolhimento melancólico, ou não estivéssemos perante um dos músicos que, na actualidade, expõe as entranhas do íntimo com maior acutilância.

"Mona Lisa" [4AD, 2011]

"Te Amo" [4AD, 2011]

O jogo das diferenças #2

2011-12-19T21:50:00.001Z

ORNETTE COLEMAN

Ornette!

[Atlantic, 1961]

CLINIC

Internal Wrangler

[Domino, 2000]

Ao vivo #78

2011-12-19T21:44:00.000Z

Kid Congo & The Pink Monkey Birds @ Armazém do Chá, 16/12/2011

Quando a já de si excitante visita à Invicta tem como bónus concertos deste calibre (pela módica quantia de € 3,00) justificam-se expressões como "a cereja no topo do bolo" ou, mais de acordo com os hábitos de certos clubes tripeiros, "ouro sobre azul".

Kid Congo Powers, essa velha raposa do rock'n'roll que já serviu nos lendários The Gun Club e The Cramps, ou ainda na pandilha The Bad Seeds, é homem imune a modas e tendências, tendo como único propósito rockar como se não houvesse amanhã. Nesse devir, tem nos Pink Monkey Birds a companhia perfeita, pois esta é banda que consegue extrair todo o groove da sujidade garage destilada em palco. Com um som primoroso, e ao longo de aproximadamente hora e meia, desfila um conjunto de temas enérgicos, gingões, e contaminados pelo vírus do rock mais transgressivo. Como brinde, o irrequieto mestre de cerimónias ainda presenteia a plateia com uma série de piadas sobre hippies dignas de uma antologia (ex: "What's red and orange and fits good on a hippy? Fire!"). E como se não bastassem as oferendas, Kid Congo puxa ao saudosismo com um par de temas do reportório da sua banda mais emblemática ("For The Love Of Ivy" e "Sex Beat", dos Gun Club), obviamente recebidos pelo incansável público com entusiamo redobrado.

Mil imagens #25

2011-12-14T21:56:00.000Z

Bill Callahan (Smog) - 12 Bar Club, Londres, 1996

[Foto: Steve Gullick]

Monstros por companhia

2011-12-13T23:02:00.000Z

Com quase trinta anos de carreira, e sem qualquer alteração no line-up desde a fundação, os The Bats são uma lenda viva da pop neozelandesa e, sem exageros, da indie-pop mundial. Com vagar, e sem qualquer tipo de cedência a qualquer espécie de tendências, estas quase três décadas renderam não mais que sete álbuns. O último é o recente Free All The Monsters, que assinala o regresso às edições pela emblemática Flying Nun, agora liberta das garras das multinacionais e reactivada pela mão do benfeitor Neil Finn.

Quem conhece o trabalho da banda não espera do novo disco a revolução que vai abalar as estruturas pop/rock, pois nunca foi esse o propósito dos The Bats. Espera-se de Free All The Monsters, apenas e só, o enriquecimento de um já rico cancioneiro com mais uma dúzia de gemas, e posso-vos assegurar que essas expectativas não sairão defraudadas. Os novos temas são, como sempre, canções sem tempo, desbotadas mas profusamente melódicas, com a inevitável harmonia das vozes de Robert Scott e Kaye Woodward, e agora com um reforço no pendor atmosférico. Têm a dose certa de melancolia e, na melhor tradição indie-pop canónica, muitas regressões aos tempos imaculados da juventude. Por exemplo, o tema-título recua até à infância e às suas fantasias. O ternurento vídeo, quase de contornos ETianos, assenta-lhe como uma luva:

"Free All The Monsters" [Flying Nun, 2011]

Singles Bar #70

2011-12-13T22:09:00.000Z

THE JAM
Down In The Tube Station At Midnight
[Polydor, 1978]

Desde tenra idade que Paul Weller se revelou um escritor de canções de talento ímpar. Muito antes da irregular carreira a solo, ou até dos "estilosos" Style Council, já mostrava nos The Jam dotes de escrita que destoavam do primitivismo do punk que os viu nascer.

Não desmerecendo todas as excelentes canções que ficaram para trás, "Down In The Tube Station At Midnight" é o primeiro tema a merecer entrada directa para a galeria dos clássicos, escrita quando tinha Weller não mais que 20 anos. É também um grito de revolta com o estado de coisas de uma Inglaterra que vê florescer movimentos de extrema-direita e um exemplar perfeito do storytelling sob a forma de canção. Com uma minúcia que realça o dramatismo da história, "Down In..." conta-nos o infortúnio de um jovem (presumivelmente asiático) que, no regresso a casa para o encontro romântico com a esposa, se vê violentamente agredido e assaltado por um grupo de skinheads numa estação de metro. O alarme sob de tom quando, já perto do final, a vítima tombada vislumbra os dizeres de um grafitti ("Jesus saves") no mesmo momento em que lhe ocorre que os agressores se dirigem agora para a sua casa. Arrepiante e revoltante, no mínimo. Musicalmente, e subtraindo os ooh-oohs dos coros, "Down In..." está já distante das raízes punk de Weller e seus pares. O ritmo é maioritariamente lento e cadenciado, com o engenho da secção rítmica sublinhar a tensão dos tristes acontecimentos. Apenas nos refrões finais, como que expressando o inconformismo, a aceleração do ritmo é acompanhada pela leve fúria punky na voz.

Um dos singles menos óbvios a extrair do álbum All Mod Cons, a primeira obra-prima dos The Jam, devido à sensibilidade da temática, "Down In..." acabaria por resultar numa escolha bem sucedida. Inclusive, inaugurou um reinado da banda nas tabelas de vendas do Reino Unido que durou até à dissolução, em 1982.

Cristal radiante

2011-12-12T23:08:00.001Z

Quando se estrearam em formato longa duração com Alight Of Night (2008), os nova-iorquinos Crystal Stilts tinham para oferecer uma proposta que os diferenciava do restante pelotão norte-americano de revivalistas indie, maioritariamente alinhado com o jangle-pop emanado pela já célebre C86. Esse era um disco mergulhado nas trevas, registado de forma rugosa para soar opressivo, que esteticamente se situava na confluência imaginária dos Velvet Underground com os Joy Division e com as produções de Phil Spector nos idos de sessentas. Já deste ano, o brilhante In Love With Oblivion é um registo substancialmente mais arejado, ainda que com uma boa dose de obscuridade. Com uma gravação mais próxima da alta-fidelidade, deixa libertar os impulsos "garageiros" da banda.

Num meio termo entre os dois álbuns, o novíssimo EP Radiant Door serve essencialmente para nos demonstrar que, por esta altura, os Crystal Stilts são já uma banda que soube assimilar as suas referências para criar uma linguagem muito própria. Por um lado, recupera os ambientes mais sombrios da estreia, por outro alinha pela toada garage e pelo dose de reverberação dos tempos mais recentes. Óptimo exemplo desta última faceta é a assombrosa versão de "Still As The Night" (original do malogrado Lee Hazlewood), a explorar com sucesso as características de crooner da voz de Brad Hargett. Já na outra versão incluída nos cinco temas do EP ("Low Profile", original dos Blue Orchids, psych-post-punkers dissidentes dos The Fall), o protagonismo dos teclados, combinados com as guitarras minimalistas, evidencia aquilo que já antes latejava na música dos Crystal Stilts, que é a influência do indie-pop pioneiro de bandas neozelandesas como The Clean ou The Chills.

"Still As The Night" [Sacred Bones, 2011]

"Low Profile" [Sacred Bones, 2011]

Good cover versions #60

2011-12-11T16:19:00.001Z

THE LEMONHEADS _ "Into Your Arms" [Atlantic, 1993]
[Original: Love Positions (1990)]

Raramente acontece, mas por vezes dá-se o caso de uma versão se tornar mais popular que o seu original. Aconteceu, por exemplo, com "Into Your Arms", não apenas um hit massivo dos Lemonheads, como provavelmente a sua canção mais popular. O mesmo não se pode dizer do original dos australianos Love Positions, dupla de carreira breve que integrou Robyn St. Clare (autora deste tema) e Nic Dalton, admirada por Evan Dando ao ponto de o segundo ser baixista nos Lemonheads na sua fase de maior sucesso, precisamente a que coincidiu com a gravação desta versão.

Dóceis e ternurentas em igual medida, as duas interpretações de "Into Your Arms" não poderiam estar mais distantes em termos estéticos. A dos Lemonheads é a típica canção soalheira, gravada em "alta-fidelidade" e propícia a servir de banda sonora a serões à volta da fogueira. Já a dos Love Positions é uma gravação tosca, para não dizer amadora. Na voz quase infantil de Robyn, transpira a ingenuidade que desde logo associamos ao twee-pop mais oblíquo, tal como praticado por gente como The Vaselines. E já que falamos nesta dupla escocesa, parece-me oportuno estabelecer o paralelismo do gesto de Evan Dando ao pegar em "Into Your Arms" com o de Kurt Cobain quando os Nirvana gravaram "Molly's Lips", ou seja, aproveitar o mediatismo para divulgar as suas paixões musicais mais obscuras e poppy.

First Exposure #39

2011-12-09T18:15:00.000Z

WITCH GARDENS

Formação: Casey Catherwood (gtr, voz); Beth Corry (bx, voz); Sara Beabout (btr, voz); Karolyn Kukoski (auto-harpa, voz)

Origem: Seattle, Washington [US]

Género(s): Indie-Pop, Lo-Fi, Fuzz-Pop, Twee-Pop

Influências / Referências: The Vaselines, Beat Happening, Marine Girls, Vivian Girls, Frankie Rose, Times New Viking

http://www.myspace.com/witchgardens

"Rain Delay" [Highfives and Handshakes, 2011]

Medicinas alternativas

2011-12-08T22:51:00.000Z

Embora de génese britânica e com maior impacto em terras de Sua Majestade, a vaga shoegaze também deixou marcas do outro lado do Atlântico. Com algum atraso e menos originalidade, é certo, mas são muitos os casos de bandas norte-americanas de noventas alinhadas com o "movimento", bem antes do revivalismo a que assistimos de há uns anos a esta parte. Um dos casos mais visíveis é o dos Medicine, banda californiana onde pontificavam Brad Laner e Shannon Lee, eles que habitualmente aternavam vozes ao melhor estilo boy/girl dos "padrinhos" My Bloody Valentine. Tiveram a honra de assinar pela American Recordings, a editora do peso-pesado Rick Rubin, e mereceram distribuição europeia pela Creation Records, a casa-mãe oficiosa do shoegaze. Estiveram activos até 1995 e regressaram em 2003, agora apenas para perpetuar as conquistas do passado.

Concentremo-nos então na fase da vida dos Medicine que realmente importa, a dos primórdios. É precisamente esse período que merecerá a atenção da iniciativa The Shoegaze Archives da Captured Tracks, mais concretamente com a recuperação dos dois primeiros álbuns: Shot Forth Self Living (1992) e The Buried Life (1993). O par de discos, com reedição apontada para a próxima Primavera, é paradigmático das sonoridades shoegaze tipicamente americanas, substancialmente mais melódicas que as britânicas e com as vozes a sobressaírem com mais evidência das cascatas de distorção. Portanto, não venham aqui à procura das torrentes sónicas dos Ride ou das atmosferas carregadas dos Slowdive. Esperem antes encontrar uma versão distorcida da frescura dos Lush. Antes, porém, a mesma editora prepara um rebuçadinho para os melómanos ávidos de objectos raros, na forma de 7" de tiragem limitada que reúne "Time Baby II" e "Miss Drugstore", provavelmente os dois temas mais memoráveis de toda a obra dos Medicine. Convido-vos a escutar o primeiro, na sua versão original, mais simples e eficaz do que aquela que apareceria na banda sonora do filme The Crow, arruinada pela opulência da produção.

"Time Baby II" [Creation, 1993]

Discos pe(r)didos #59

2011-12-08T22:10:00.001Z

PAUL QUINN & THE INDEPENDENT GROUP
Will I Ever Be Inside Of You
[Postcard, 1994]

Com uma carreira demasiado irregular para merecer esse nome, Paul Quinn é um dos segredos mais bem guardados da riquíssima pop escocesa. Na mesma medida em que é também uma das suas figuras mais singulares, dono de um barítono capaz de exponenciar a dolência de cada canção a níveis exasperantes. Em meados de oitentas encabeçou os Bourgie Bourgie, projecto de vida curta que militava entre os resquícios post-punk/new-wave e pop a sofisticada que então eclodia. Foi também backing singer dos Orange Juice, liderados pelo amigo Edwyn Collins, um dos seus maiores entusiastas. Talvez por sua causa, na tentativa de resgatar um imenso talento ao esquecimento, Alan Horne reactivou a mítica Postcard Records e em seu torno reuniu o The Independent Group, combo que reunia o próprio Horne e mais uma série de músicos com currículo na "aristocracia pop" escocesa (Aztec Camera, Orange Juice, The Commotions).

O primeiro fruto deste Paul Quinn renascido foi The Phantoms And The Archetypes (1992), disco ainda à procura de definição de azimutes mas já com alguma vontade de grandiosidade. Algo de maior viria a acontecer dois anos depois, com a edição de Will I Ever Be Inside Of You, disco assombroso propício a ambientes nocturnos que poderia ter saído da imaginação de um Scott Walker, caso este não sofresse há muito de uma alergia aguda à pop. Logo a abrir, o longo tema-título elucida o ouvinte do trilho a seguir. Alarmante confissão de amor não correspondido capaz de causar inveja a um tal de Morrissey, "Will I Ever Be Inside Of You" cruza Bowie, Billy Mackenzie, e o citado Walker, mas deixa bem explícita a expressividade e a verve únicas de Quinn. Sustentado pelas texturas dos teclados e pelos solos inebriantes de guitarra, abre ainda espaço para o lamento de uma voz feminina próxima do lírico.

Após a apoteose da abertura, Will I Ever Be... mantém a aura de melancolia dolente e de desencanto ao longo dos restantes oito temas, metade deles ainda acima dos seis minutos de duração. Em ritmo downtempo, "Lover, That's You All Over" é uma crua e sentida confissão de um amor perdido. Reforçando a ambiência nocturna, e insuflado de teclados densos, "A Passing Thought" é solidão desesperada traduzida em canção. Mais solto, e substancialmente mais próximo da desenvoltura pop com inflexões jazzísticas, "Stupid Thing" aponta o dedo ao "outro", com o cantor a no papel de acusador, algo familiar ao tal de Morrissey. De duração muito abaixo da média, "Misty Blue" é a balada nostálgica perfeita para fim de noite dedicada à introspecção. Seria o encerramento adequado deste portentoso disco, caso esse papel não coubesse a "At The End Of The Night", lamento sofrido mas que abre uma fresta para a esperança depois da expiação de uma imensa dor.

"Will I Ever Be Inside Of You"

"A Passing Thought"

"Stupid Thing"

A vida secreta dos leões marinhos

2011-12-05T23:07:00.000Z

Já não é novidade para ninguém interessado pelo "meio" o papel fulcral da Slumberland Records no actual panorama indie. Primeiramente dedicada essencialmente às derivações fuzz-pop, a editora de Washington, D.C. tem vindo progressivamente a alargar a paleta, cobrindo agora praticamente todas as variações do "género". O último coelho retirado da cartola são os caifornianos Sea Lions, colectivo cuja origem remonta a 2007, na altura pouco mais que um projecto pessoal do mentor Adrian Pillado, músico com igual devoção por Syd Barrett como por Calvin Johnson.

Se nos primeiros tempos os Sea Lions alinhavam por um aparentado psych, com a estabilização como banda de corpo inteiro veio a cedência ao universo mais próximo da pop. Os temas avulsos que foram surgindo serviram para refinar uma fórmula, e agora o recém lançado álbum-debute Everything You Always Wanted To Know About Sea Lions But Were Afraid To Ask é o culminar desse work in progress. Imerso em guitarras jangly, e fiel às filosofias lo-fi, o disco agradará sobremaneira aos apreciadores dos pioneiros indie em pleno período pós-punk, tais como Television Personalities e Subway Sect. Esperam-vos, portanto, canções curtas (quinze em menos de meia hora) e desengonçadas de uma pop que, embora fracturada, não perde o norte melódico. É o caso desta:

"My Girl" [Slumberland, 2011]

Ao vivo #77

2011-12-05T22:37:00.000Z

Real Estate @ Galeria Zé dos Bois, 03/12/2011

Sob a aura do magnífico Days, os jersianos Real Estate aterraram pela segunda vez em terras lusas. A julgar pela devoção inabalável da turba que lotou por completo a ZdB na noite de sábado, a acontecer uma terceira, poderá muito bem ser noutros palcos de maiores dimensões. Neste particular não vos posso esconder a satisfação que sinto pelo crescente reconhecimento da banda, uma das que "apoiei" desde a primeira hora e que não pára de me surpreender a cada novo registo.

Também ao vivo (e já vou em quatro concertos para contar aos netos!) os Real Estate são algo de especial, deixando de lado os artifícios supérfluos e os maneirismos estudados, e apostando tudo na pureza da música. E que música! Canções na dose certa de melancolia e doçura juvenil, de melodia e grão lo-fi. Com alguma má-vontade podemos sempre dizer que lembram The Feelies, Yo La Tengo, ou até The Smiths e Galaxie 500, mas reduzir as canções imensas dos dois álbuns de estúdio que preencheram o espectáculo a tais comparações será sempre injusto para com a receita única de banho de sol que os Real Estate lhes infligem, daí resultado uma pop desbotada de traça intemporal. Às referências que a banda cita sem pudor, antes sincera humildade, podemos agora também juntar os Felt, devidamente homenageados numa inspirada versão de "Sunlight Bathed The Golden Glow", interpretada já perto do final e da merecida ovação.

Em jeito de conclusão, e porque me escasseiam as palavras para descrever a hora e meia de encantamento, posso dizer-vos que sábado à noite foram muitos os momentos em que me senti transportado para algures na América de sessentas, quando bandas como The Beach Boys ou The Byrds davam os primeiros passos, longe de imaginar que estavam prestes a escrever algumas das mais belas páginas da pop. Sem ponta de exagero, e a multidão que não arredou pé por um instante é minha testemunha, na actualidade, os Real Estate vão assumindo papel idêntico, lenta, lentamente, e sem precisarem de ver o seu nome associado a tendências e movimentos artificialmente criados.

R.I.P.

2011-11-29T21:31:00.001Z

KEN RUSSELL

[1927-2011]

Morreu no passado domingo, aos 84 anos de idade, o cineasta britânico Ken Russell. Com uma carreira iniciada na televisão na longínqua década de 1950, foi um experimentalista que não dispensava a controvérsia nos seus filmes, normalmente obcecados com a sexualidade e os ataques corrosivos à Igreja. Da sua filmografia destaca-se Women In Love (1969), obra premiada que se baseou no romance homónimo de D. H. Lawrence.

Amante da música, Russell dedicou obras biográficas, num registo bastante livre, a compositores eruditos como Mahler, Debussy, Richard Strauss, Wagner, ou Liszt, todas elas com especial ênfase na tónica das fantasias sexuais. Já os seguidores de músicas de cariz mais popular, recorda-lo-ão como realizador de Tommy, a ópera-rock que marcou a ascenção megalómana dos The Who, adaptada pelo próprio juntamente com Pete Townshend a partir do álbum de 1969 com o mesmo título.

Trailer de Tommy [Columbia Pictures, 1975]

Ao vivo #76

2011-11-28T23:09:00.001Z

Clubbing Optimus @ Casa da Música - Porto, 19/11/2011

Antes demais, queria manifestar o meu desagrado pela escolha da Sala Suggia para os principais acontecimentos daquele que terá sido o Clubbing mais aliciante a que a Casa da Música pôde assistir. Somado ao desconforto de assistir aos concertos sentado, mesmo perante as sonoridades "delicadas" que vinham do palco, não apreciei a postura do staff, mais treinado para as "picuíces" associadas a actos de outro nível de erudição.

A abrir a noite, Lætitia Sadier não se mostrou tão eficaz como o tinha sido há mais de um ano e meio, quando se apresentou no "aquário" da ZdB. Bem pelo contrário, estas canções marcadas pela fragilidade acústica, tingidas ora de tropicalismo, ora de chanson, não resultam nas dimensões da sala, sendo muitas vezes motivo de bocejos na assistência. A própria acusou a tensão logo ao fim do primeiro tema, agradecendo ainda antes dos aplausos para, logo de seguida, manifestar um pouco simpático desagrado pelo ruído de algumas conversas. O "incidente" terá deixado marcas no resto da actuação, já que a desejada empatia entre artista e público não chegou a gerar-se. Diria mesmo que, da parte dela, ficou a impressão de que estava ali apenas para fazer um frete.

Contrariamente ao esperado, Lee Ranaldo não enveredou pelo experimentalismo improvisado que caracteriza boa parte do seu trabalho extra Sonic Youth. Vem, isso sim, igualmente apostado em seguir a toada acústica da antecessora. Ao longo do curto concerto muda constantemente de guitarra, envergando inclusive uma de fabricação portuguesa que qualquer um gostaria de ter em casa para lhe poder apreciar a beleza. Pouco dotado vocalmente, Ranaldo opta pelo seu habitual tom semi-declamado, desta feita discorrendo invectivas de cariz sócio-político, as quais faz questão de sublinhar nos declarações proferidas entre temas. Se esta foi uma amostra do álbum que aí vem, apraz-me registar a entrada de Ranaldo no clube da meia-idade da serenidade acústica ao qual já pertencem os velhos companheiros Thurston Moore e J Mascis.

Após um intervalo inesperadamente curto quando comparado com o anterior, Dean Wareham chegou disposto a honrar o legado dos geniais Galaxie 500, algo que, com o passar do tempo, parece vir a ganhar uma aura quase mítica. Recuperando o formato daquela banda, apresenta-se à frente de um trio, no qual pontifica a companheira Britta Phillips, senhora que não passa despercebida a qualquer humano, qualquer que seja o seu género. Os desprevenidos com a "partida" pregada pela organização já não puderam assistir ao espectral "Snowstorm", talvez interpretado ainda em registo de aquecimento. Daqui, e encontrada a equalização adequada, arrancou-se para um desfilar de verdadeiros hinos para geeks militantes do indie-pop/rock."When Will You Come Home", "Sorry", "Blue Thunder", o seminal e inocente "Tugboat", e as versões de "Ceremony" (Joy Division/New Order) e "Don't Let Our Youth Go To Waste" (Jonathan Richman) foram alguns dos pontos altos, mas nenhum ao nível do original de Yoko Ono "Listen The Snow Is Falling", interpretado por Britta com uma candura que contrasta com a frieza da versão imortalizada em disco na voz de Naomi Yang. Pelo alinhamento, é fácil perceber que, quando o trio abandonou o palco, a reacção da plateia, saciada, tenha sido efusiva. Regressaram pouco depois para a consagração absoluta com o delicioso "Fourth Of July" seguido de mais uma ovação ruidosa. De mais uma noite de estado de graça, tenho a dizer-vos que, quando à genialidade da música, da mais marcante no percurso deste que vos escreve, se soma a companhia de alguns dos melhores seres que habitam este planeta, só me ocorre um adjectivo: perfeito!

Ao vivo #75

2011-11-28T22:07:00.000Z

The Microphones @ O Meu Mercedes - Porto, 18/11/2011

Com uma noite de avanço relativamente à apresentação na Casa de Música como Mout Eerie, a mais recente encarnação, Phil Elverum compareceu na lendária casa tripeira na qualidade de The Microphones, o alter-ego que lhe granjeou um culto sólido nas hostes do lo-fi mais dadas à psicadelia. Munido de guitarra eléctrica, entrou em palco acompanhado de um teclista e de um percussionista, formação extremamente escassa para os ouvidos menos treinados para sonoridades diminuídas do elemento rítmico de um baixo.

Embora a ocasião tenha servido essencialmente para a confraternização com o grupo de bons amigos da Cidade Invicta, a insuficiente atenção dedicada ao concerto permitiu aferir da quão tocantes podem ser as canções de Elverum, cruas, negras e de uma autenticidade desarmante. Aos sons esquálidos dos instrumentos sobrepõe-se a voz, não especialmente moldável mas com uma sinceridade só ao alcance dos cantores/compositores que fazem da música um acto de pureza. Contrastando com a gravidade das temáticas abordadas, por vezes a roçar o asfixiante, Elverum mostra-se de uma simpatia a toda a prova, dirigindo-se amiúde ao público com sinceras palavras de agradecimeto por tão intensa devoção.

Antes e depois do prato principal da noite, o palco foi reservado às sonoridades electrónicas com dois projectos dos quais não retive o nome. O primeiro move-se nos meandros do dark-ambient a puxar ao abstraccionista, o segundo é uma aproximação algo decorativa ao drum'n'bass. Embora ambos não consigam escapar à adjectivação de genérico, reconhece-se no primeiro acto algumas boas ideias a merecer desenvolvimento.

Magia branca

2011-11-16T23:25:00.000Z

Aos poucos, vai ficando na ordem do dia a recuperação das sonoridades de noventas - aquela década tão mal tratada mas que, sobretudo, na sua primeira metade, produziu música em quantidade e qualidade suficientes para marcar irremediavelmente a vida deste que vos escreve. Para não estender o rol de exemplos, e falar apenas de dois casos paradigmáticos, posso referir-vos os nomes dos Japandroids e dos Yuck, bandas já com forte afirmação no espectro indie-rock actual. Dessa tendência revisionista do mesmo período da história rock, descobri recentemente os Witches, banda com origens em Athens, na Geórgia, a mesma terra que produziu lendas como R.E.M. e The B-52's.

Embora só contem com um elemento do belo sexo - a vocalista/guitarrista Cara Beth Satalino - os Witches apresentam-se como dignos sucessores do rock "feminino" de inícios de noventas. Pelo menos é essa a sensação que emana da escuta de Forever, o primeiro álbum lançado ainda no decorrer do primeiro semestre deste ano, que se pode descrever como um possível cruzamento de Throwing Muses e Sleater-Kinney com The Breeders a espreitar à esquina. Ou seja, ponto de confluência de uma sensibilidade pop com uma atitude punky, a primeira manifestada no pendor melódico da dezena de temas, a última nalguma rugosidade das guitarras e no ligeiro incómodo que se sente na voz de Cara, a estrela da companhia com um timbre maleável que sabe dosear a melancolia, a ternura, e a raiva em quantidades adequadas. E não é que o disquinho (34 minutos apenas), ultrapassado o impacto inicial das semelhanças entre temas, se revela danado de bom!... Tão bom que, depois da "descoberta" há coisa de um mês, a ele regressei na última semana e ainda não o consegui largar, com a agravante de a duração do dito se propiciar às 3/4 audições diárias...

"Creature Of Nature" [Bakery Outlet, 2011]

Mixtape #14 - (Under)covers

2011-11-15T21:57:00.000Z

[Foto: Man Ray, 1928]

A temática das versões e reinterpretações assume especial papel neste pasquim, ao ponto de a elas haver um rubrica regular especificamente dedicada. Nesta lógica de importância, para a compilação de hoje proponho-vos um conjunto de dezoito temas interpretados por outrém, que não os intérpretes originais. O único critério de escolha foi o facto de todos os originais serem relativamente conhecidos. Algumas mais fiéis ao original, outras verdadeiramente radicais, algumas expectáveis, outras completamente inesperadas. Caso o alinhamento vos desperte a curiosidade, façam o favor de dispor no link indicado.

http://www.mediafire.com/?2btjcp448tg96sm

01. BLACK TAMBOURINE _ "Dream Baby Dream" (Suicide)

02. CODEINE VELVET CLUB _ "I Am The Resurrection" (The Stone Roses)

03. THE POLYPHONIC SPREE _ "Love My Way" (The Psychedelic Furs)

04. THE WONDERMINTS _ "Arnold Layne" (Pink Floyd)

05. BEACHWOOD SPARKS _ "By Your Side" (Sade)

06. WIDOWSPEAK _ "Wicked Game" (Chris Isaak)

07. JOHN AUER _ "Beautiful Stranger" (Madonna)

08. THE TRIFFIDS _ "Rent" (Pet Shop Boys)

09. PAUL QUINN & EDWYN COLLINS _ "Pale Blue Eyes" (The Velvet Underground)

10. SAINT ETIENNE _ "Only Love Can Break Your Heart" (Neil Young)

11. LES DEMONIAQUES _ "Teenage Lust" (The Jesus and Mary Chain)

12. TASHAKI MIYAKI _ "All I Have To Do Is Dream (The Everly Brothers)

13. TH' FAITH HEALERS _ "S.O.S" (ABBA)

14. FLYING SAUCER ATTACK _ "The Drowners" (Suede)

15. LUNA _ "Bonnie And Clyde" (Serge Gainsbourg & Brigitte Bardot)

16. THE WEDDING PRESENT _ "Falling" (Julee Cruise)

17. SLOWDIVE _ "Some Velvet Morning" (Lee Hazlewood & Nancy Sinatra)

18. JAPANCAKES _ "Only Shallow" (My Bloody Valentine)

First Exposure #38

2011-11-14T22:14:00.001Z

MILK MUSIC

Formação: Alex Coxen (voz, gtr); Charles Warrinf (gtr); Dave Harris (bx); Joe Rutter (btr)

Origem: Olympia, Washington [US]

Género(s): Indie-Rock, Noise-Rock, Post-Hardcore, Stoner-Rock

Influências / Referências: The Replacements, Dinosaur Jr, Hüsker Dü, Volcano Suns, Nirvana, Mudhoney, Japandroids

"Fertile Ground" [edição de autor, 2010]

Ao vivo #74

2011-11-14T21:58:00.000Z

Pink Mountaintops + Asimov @ Galeria Zé dos Bois, 12/11/2011

Pelo trabalho desenvolvido de há uns anos a esta parte, tanto nos Black Mountain como nos Pink Mountaintops, Stephen McBean tem já lugar cativo no cenário da música canadiana da última década. Se nos primeiros recupera alguns delírios stoner-rock, no projecto pessoal e paralelo olha igualmente para o passado, concretamente para a facção mais transgressora da história rock que vai dos Velvet Underground aos Spacemen 3, dos Pink Floyd aos Suicide. À excepção destes últimos (ainda assim com "sentir europeu"), todas as referências são inglesas, contudo, McBean faz questão de "americanizar" o todo por meio do seu timbre nasalado.

Para o concerto do passado sábado, no qual se apresentou à guitarra, acompanhado apenas de um teclista, o menu consiste na revisitação dos três álbuns do reportório, com os temas devidamente contextualizados para este formato de banda reduzida. Na transfiguração a que se assiste em palco, o companheiro das teclas desempenha especial papel ao sustentar a estrutura de cada tema, deixando para o protagonista a tarefa de impregnar a sala da ZdB com pequenos trechos de cariz narcótico. O som é preparado a rigor com bastante eco, essencial para a criação de uma atmosfera de delírio. Inicialmente num volume demasiado baixo, só com decorrer do espectáculo se encontra a equalização óptima para a envolvência pretendida. Em regime relaxado, talvez até com alguma carência de dinamismo, McBean confirma algo do qual já se desconfiava: como poucos músicos contemporâneos sabe conjugar as diferentes linhas com que se cose a história pop/rock das últimas cinco décadas, sem que o resultado final soe a algo de pessoal e não meramente derivativo.

Os primeiros sons da noite ficaram a cargo dos portugueses Asimov, dupla nascida das cinzas de uns tais Brainwashed by Amalia (sérios candidatos ao título de pior nome de banda de sempre da música moderna nacional). Depois de se apresentarem com nome de escritor de ficção-científica, os primeiros acordes deixam claro que se poderiam ter apresentado como Wolfmother que ninguém daria pela diferença. Como já terão percebido, estamos perante mais um projecto rendido a essa estranha tendência para o rock mais primitivo e "azeiteiro" de setentas. Reacção às tentações punky e arty de outros? Quer-me parecer que sim. A meio do segundo tema, ruma-se ao exterior numa entrega aos prazeres tabagistas que amenizam a tortura que soa em fundo.

Mil imagens #24

2011-11-10T22:08:00.000Z

Broadcast - Londres, 1996

[Foto: Joe Dilworth]

Quinta edição

2011-11-09T22:28:00.001Z

Ainda os Buzzcocks davam os primeiros passos e já Howard Devoto, membro fundador, abandonava o barco, num gesto que poderá ser visto como genuinamente imbuído do espírito punk. Logo em seguida fundava os Magazine, uma entidade distinta que aspirava a níveis mais intelectualizados da expressão rock. Por mérito próprio, e juntamente com bandas como PiL, Gang of Four, ou Wire, estiveram na primeira linha do chamado post-punk britânico, ainda numa altura que o sucesso comercial não estava vedado à obliquidade musical. Até à extinção, em 1981, os Magazine tiveram intensa actividade, deixando para a posteridade quatro álbuns, três deles autênticos clássicos da época.

Embarcando na onda de reuniões que parece não deixar ninguém indiferente, os Magazine regressaram ao activo em 2009, inicialmente com o propósito único de tocar ao vivo, iniciativa que, segundo consta, teve forte adesão popular e aceitação crítica. A formação envolvida era a mais aproximada do line-up "clássico", com o guitarrista John McGeoch, desaparecido em 2004, a ser substituído por Noko, companheiro de Devoto nos posteriores Luxuria. De então para cá, também o baixista Barry Adamson, provavelmente ocupado com a trabalho em nome próprio, foi substituído por um tal de Jon White. Portanto, aquele já não participou nas gravações do novíssimo e "inesperado" No Thyself, o quinto álbum, editado precisamente trinta anos depois do último.

A falange familiarizada com a sonoridade típica dos Magazine não estranhará o novo disco, uma vez mais assente nas texturas irrepreensíveis e quase liquifeitas dos sintetizadores de Dave Formula. A principal diferença com os bons velhos tempos reside nas partes de guitarra, com Noko a enveredar por riffs com um balanço assumidamente funky, por oposição à angularidade muito peculiar do seu lendário antecessor. Também os maneirismos vocais de Devoto, entre o declamado e o cantado, entre o arrogante e o cáustico, são mais ostensivos que nunca. São os mesmos tiques que causaram forte impacto noutros vocalistas ingleses que fazem da crónica de costumes modo de vida, tais como Lawrence e Jarvis Cocker. À falta de novidades de maior para os versados na matéria, posso assegurar aos neófitos que No Thyself tem ainda obtusidade suficiente para dar e vender às novas gerações art-rock. Façam o favor de conferir na amostra infra, na qual não se discerne ao certo se as referências a dois dos mais idolatrados mártires rock é vénia ou ironia. É a ambiguidade devotiana em todo o seu esplendor...

"Hello Mister Curtis (With Apologies)" [Wire-Sound, 2011]

Ao vivo #73

2011-11-08T22:36:00.000Z

Max Richter @ Teatro Maria Matos, 05/11/2011

Nome geralmente associado a esse rótulo vago que é a neo-clássica, Max Richter é daqueles que não enjeita a oportunidade de imiscuir a electrónica com a ortodoxia normalmente associada às correntes musicais em que se movimenta. É também useiro e vezeiro no mercado das bandas sonoras, factor que, por si só, terá determinado a afluência de público em número suficiente para lotar o anfiteatro do Maria Matos. O músico e compositor, nascido na Alemanha mas de nacionalidade britânica, apresenta-se em palco munido de piano e laptop, este gerador de interferências electrónicas. A acompanhá-lo, um quinteto de cordas: dois violinos, uma viola de arco, e dois violoncelos.

A primeira parte do concerto (ou o concerto propriamente dito) é reservada à execução de Infra (2010), último trabalho da chamada discografia não-concessionada. Como o próprio título indica, esta é uma obra de elementos minúsculos, quer na duração dos diferentes "andamentos", quer nos pormenores que se revelam sob o manto da melancolia. Precisamente pela curta duração dos trechos, a envolvência não é equiparável à da experiência da audição em disco, pois em palco deixam a sensação de não fluir o suficiente para enlear o espectador. Só perto do final, com o crescendo da tensão, se dá o clique que faz o público estremecer na pacatez entretanto instalada, e apenas abalada pelas imagens projectadas, inspiradas pela própria capa do disco e que remetem para a temática da solidão nas sociedades modernas. Se o propósito era o de "adormecer" o público para, por fim, lhe injectar ondas de choque, podemos dizer que Richter cumpriu os seus intentos.

Seguindo um longo intervalo, a segunda parte do concerto é quase uma espécie de greatest hits. É nesta fase que são apresentados alguns trechos compostos propositadamente para filmes, tais como os celebrados Shutter Island (logo a abrir) e Valse Avec Bachir. Ao rigor formal da primeira parte, este "segundo acto" prima pela variedade, tanto de tonalidades, como de ambientes sensoriais, sacrificando, obviamente, alguma coesão. Para finalizar em ponto de rebuçado, o magistral "The Trees", do já distante The Blue Notebooks (2004), seria a escolha perfeita. Seria, porque toda a magia foi atraiçoada pelas medíocres condições sonoras, uma constante ao longo de todo o espectáculo e agravadas perto do encerramento. Porém, para a maioria do público, esta foi apenas uma questão de pormenor que não impediu a ovação final.

Ao vivo #72

2011-11-08T21:40:00.000Z

The Antlers @ Lux Frágil, 03/11/2011

Cruzei-me pela primeira vez com os nova-iorquinos The Antlers à coisa de ano e meio. Na altura, traziam na bagagem o críptico Hospice, disco pelo qual nutria tal entusiasmo que o encontro se revelou uma desilusão, não só pela deficiente transposição para palco imputável à banda, como também pelas sofríveis condições sonoras do concerto. Para o acto da passada quinta-feira, uma espécie de prova dos nove pela minha parte, traziam o recente Burst Apart, registo apenas mediano que, embora alinhando pela melancolia, dissipa muito do negrume do antecessor.

Antes de mais delongas, gostaria de pronunciar que os Antlers falharam no teste, mesmo em condições técnicas satisfatórias para os parâmetros Luxianos. Uma vez mais, a música parece ganhar uma nova identidade, um clima bem diverso do propiciado pelos discos. Nestes, as omnipresentes electrónicas são a cola que liga, com alguma discrição, a estrutura de cada canção. Já em palco, embora menos presentes, soam mais ostensivas, rudes, quase intrusivas. À falta do envolvimento e do recato que caracteriza a obra gravada, o líder Peter Silberman exibe toda a sua gama de tiques vocais, por vezes a aproximar-se demasiado dos territórios de Bon Iver. O truque, repetido ad nauseum, a roçar o exibicioismo, parece não esmorecer a histeria da fileira emo situada mesmo à minha frente.

Em abono do trio (alargado a quarteto quando em palco), podemos até dizer que foi um concerto competente e esforçado na simpatia nervosa (com franqueza, há um certo tipo de humor americano que eu não atinjo...). No entanto, a sensação com que saio da cerca de hora e meia de função, é que a performance carece de dinamismo, como se as canções fossem despejadas, umas a seguir as outras, sem que se vislumbre a naturalidade que faz de um concerto um acto uno. Perdoem-me os entusiastas (e houve muitos a manifestar-se com convicção), mas com The Antlers há duas sem três...

O jogo das diferenças #1

2011-11-03T17:46:00.000Z

BIG BLACK

Songs About Fucking

[Touch and Go, 1987]

KID606

Songs About Fucking Steve Albini

[Important, 2010]

A decadência em tons de negro

2011-11-02T23:40:00.000Z

Um pouco à semelhança de muitos confrades da actual "cena" californiana, Luis Vasquez sofre de hiper-actividade. À parte o envolvimento nos mui recomendáveis e psicadélicos Lumerians, fez nome como The Soft Moon, projecto assumidamente solitário que só em palco se alarga a trio. Foi sob esta designação que, recta final do ano transacto, deu à estampa um excelente álbum homónimo, plenamente imerso nas facções mais minimalistas e soturnas do post-punk. Com algumas afinidades com a nação gótica, The Soft Moon mereceu comparações com Joy Division, Bauhaus, ou The Sisters of Mercy. Porém, embora estejam lá, as referências não traduzem por si só a singularidade da proposta de Vasquez.

Desenvolvimento natural daquela obra, o novo Total Decay rende-se a um certo abstraccionismo que anula os resquícios de canção que ainda afloravam no antecessor. Igualmente envolto num espesso negrume que deixa transparcer o isolamento do acto criativo, este EP de quatro temas sabe esquivar-se à previsibilidade das "novas" sonoridades coldwave, supostamente na ordem do dia. Uma vez mais original na abordagem, tem um certo travo "industrial", lembrando em "Repetition" a frieza mecânica dos Cabaret Voltaire, e em "Alive" as desconstruções de uns já distantes Nine Inch Nails, ainda do tempo em que estes tinham alguma relevância. Em ritmo lento de marcha fúnebre, o tema-título é, apesar da maior presença do elemento humano, uma porta de entrada num mundo gélido e obscurecido. De mais difícil digestão no imediato que o álbum de estreia, Total Decay consegue, contudo, repetir os ambientes envolventes daquele.

"Total Decay" [Captured Tracks, 2011]

Singles Bar #69

2011-11-02T17:51:00.001Z

MY BLOODY VALENTINE
Sunny Sundae Smile
[Lazy, 1987]

Já o disse algures, dando eco à teoria mais ou menos vigente, que o ponto de viragem dos My Bloody Valentine, de mera nota-de-rodapé indie a referência incontornável, se deu com a entrada para a formação de Bilinda Butcher. Hoje corrijo (parcialmente) a mão para salientar aquele que foi o último registo da banda antes da chegada da referida vocalista/guitarrista, também o último antes da estabilização na Creation Records depois de um período de mudança constante de editora.

Quando Sunny Sundae Smile foi lançado, ainda um tal de David Conway militava nos MBV, ocupando unicamente as funções de vocalista. É ele que dá a voz ao tema-título, de forma sobejamente mais ostensiva do que os murmúrios envoltos em ruído dos lançamentos posteriores. No entanto, "Sunny Sundae Smile" tem já presente muitas das marcas identitárias dos MBV a breve trecho, como sejam as guitarras generosamente distorcidas a libertar faíscas e um inapelável sentido de harmonia pop. Já no lado B "Paint A Rainbow" é Kevin Shields quem toma conta do microfone. Não diferindo substancialmente em teor de açúcar do tema-título, superando-o até pela incorporação da segunda voz feminina, é ligeiramente mais rugoso na estrutura e na textura. Diria até que descende directamente da vaga jangle pop dinamitada pela C86, mas já tentando fazer a ponte com as sonoridades dos gloriosos tempos indie de finais de oitentas e inícios de noventas.

"Sunny Sundae Smile"

"Paint A Rainbow"

Ao vivo #71

2011-11-01T16:14:00.000Z

Bardo Pond + Margarida Garcia & Marcia Bassett @ Galeria Zé dos Bois, 29/10/2011

Com duas décadas no activo, os Bardo Pond são uma verdadeira instituição do psicadelismo e linguagens musicais limítrofes, posto de refúgio para os muitos órfãos dos simbólicos Spacemen 3. Não é de espantar que, com tal estatuto, seja calorosa e numerosa a recepção para a primeira aterragem em solo luso. Tal como muitas outras bandas do mesmo raio de acção, têm recentemente vindo a injectar a sua música de um maior abstraccionismo (sobretudo na obra "paralela" à discografia "oficial"), o que poderia fazer temer por um concerto próximo do registo jam, que normalmente dá mais prazer a que executa do que a quem assiste. Pela parte que me toca, congratulo-me que o combo de Filadélfia tenha apresentado um alinhamento assente no seu reportório convencional (se é que se pode falar em convenções quando se trata dos Bardo Pond), que percorre os vinte anos que levam ao serviço da facção mais intuitiva do rock.

Quem acorreu à ZdB no passado sábado foi bafejado por um conjunto de temas mergulhados em narcóticos, banhado num mar de distorção e ruído branco, encantado pela voz de fada ancestral da musa Isobel Sollenberger, ela que também recorre à flauta para nos guiar por estranhos mundos de fantasia. Ao longo de todo o concerto a banda, aparentemente desterrada da São Francisco ácida de há quarenta e tal anos, esteve irrepreensível, certeira e coesa nas descargas sónicas de riffs arrastados. Igualmente em bom nível, a voz de Isobel não deu qualquer sinal de desafinação, isto apesar de, nas vezes que se dirigiu com ternura ao público, se mostrar algo entorpecida por substâncias de composição desconhecida.

A abrir a noite, a portuguesa Margarida Garcia (contrabaixo) e a norte-americana Marcia Bassett (programações) apresentaram uma amostra de The Well, disco de parceria do ano passado. Referência do experimentalismo nacional a primeira, figura do noise enquanto integrante dos Double Leopards a última, dão em conjunto um recital noisy do mais profundo negrume, algo genérico mas suficientemente envolvente. Perto do final da noite, a dupla ainda se juntou em palco aos cabeças de cartaz para um número de catarse colectiva pela via da deriva sónica.

Good cover versions #59

2011-10-27T22:20:00.000+01:00

TASHAKI MIYAKI _ "All I Have To Do Is Dream" [The Sounds of Sweet Nothing, 2011]
[Original: The Everly Brothers (1958)]

Recuando ao primórdios da história do rock'n'roll, muitos são os hits dos quais se torna difícil saber ao certo a autoria original, tal o número de versões gravadas dos mesmos, quer por iniciativa dos próprios songwriters, quer de intérpretes autónomos. Nessa categoria talvez não inclua, apesar da incontáveis versões de que foi alvo, "All I Have To Do Is Dream", para sempre lembrada na interpretação intemporal e imaculada dos Everly Brothers, invariavelmente a usada pela indústria de Hollywood independentemente da acção da película em causa se passar na segunda metade de cinquentas ou na primeira de sessentas. Esta é uma daquelas canções inscrita na facção mais atinhadinha do rock, a tal que privilegiava a harmonia em detrimento da fisicalidade. Juntamente com outras da mesma igualha, teve certamente forte impacto nas congeminações desenvolvidas por um tal Phil Spector poucos anos mais tarde.

Uma das versões mais recentes de "All I Have To Do Is Dream", senão a mais recente, pertence aos Tashaki Myiaki, uma dupla iniciada de Los Angeles que ainda faz questão de manter uma certa aura de mistério, a qual tive a honra de vos "apresentar" há poucos dias. Sem desrespeitar a melancolia sonhadora do original, não se pode dizer que seja a mais fiel das versões, pois as preocupações com a fidelidade áudio são diminutas. Curiosamente, os ecos e a voz juvenil falsamente inocente evocam as tais congeminações do tal Spector, que por acaso até era um perfeccionista do som. Inevitavelmente, a rugosidade da mesma evidencia parentescos próximos com a imensa descendência marychainiana, hoje, mais que nunca, na ordem do dia.

Peel slowly and... listen

2011-10-25T23:08:00.000+01:00

Faz hoje sete anos que John Peel sucumbiu a um ataque cardíaco, no momento em que se encontrava de férias no Peru. Embora não se trate de uma efeméride "redonda" merece ser assinalada, quanto mais não seja porque está associada ao radialista que, como nenhum outro, divulgou a música "independente". E também porque, neste sexto Peel Day, foram disponibilizados para audição on-line a totalidade dos temas constantes de todas as Festive Fifty's, as listas de fim de ano elaboradas segundo o gosto dos ouvintes, aqui e ali com o dedo do próprio Peel, desde 1976. Para vosso deleite, aqui. Caso arrisquem, vão deparar-se com um gosto ecléctico que se mantinha aquando da sua morte, aos 65 anos. Desde o psych-folk dos anos formativos, ao indie-pop do qual haveria de se tornar uma espécie de patrono, passando pela electrónica mais obtusa ou o metal mais extremo, Peel privilegiava, essencialmente, a diferença e a novidade, transgredindo o gosto formatado. A título ilustrativo, deixo-vos aquela que ficou, para sempre, lembrada como a sua pet song entre os milhares que terá escutado:

The Undertones _ "Teenage Kicks" [Good Vibrations, 1978]

Ao vivo #70

2011-10-25T22:34:00.000+01:00

Bonnie 'Prince' Billy @ Teatro Maria Matos, 24/10/2011

Em qualquer uma das suas encarnações, Will Oldham é há muito um valor seguro junto de um nicho específico de público. Os discos como Bonnie 'Prince' Billy, o seu eu mais produtivo, sucedem-se com frequência assinalável, e ainda que sejam progressivamente ouvidos por menos gente (falo por mim e por mais uns quantos, obviamente), cada nova vinda ao rectângulo acontece em salas progressivamente maiores. Não é de espantar pois que, há várias semanas, o espectáculo do Maria Matos estivesse esgotado.

A escolha do cenário para o concerto de ontem não poderia ter sido mais feliz, pois além das excelentes condições de acústica, as dimensões apropriadas do palco permitem que Oldham e a sua banda, com o generoso número de cinco elementos, melhor possam explorar a musicalidade e a riqueza textural das canções, que muitas vezes não se adivinha na fragilidade das versões gravadas. Ao longo de mais de duas horas, incluindo os dois encores, percorre-se todo um vasto cancioneiro de década e meia de carreira. Na maioria dos casos, os temas surgem travestidos relativamente à sua gravação original, como se os músicos estivessem a presentear o público com uma versão única e irrepetível. Numa primeira fase, privilegiam-se temas mais ritmados, tingidos de uma country hillbilly que convida a bater o pé. Na fase intermédia, a introspecção abate-se sobre o palco como um manto negro. Apesar da duração da função, a voz de fácil trato de Oldham não dá qualquer sinal de fraqueza. Antes pelo contrário, mantém intacta uma assinalável expressividade que o próprio faz questão de sublinhar com os habituais gestos teatrais. A coadjuvá-lo, outras duas grandes vozes: Angel Olsen e Emmett Kelly. A dela é daquela beleza estranha muitas vezes associada à folk britânica, a dele mais genérica, mas compensada pela mestria nas funções de guitarrista, função essa que o consagra como uma das estrelas da noite.

Em clima de desanuviamento, a parte final do "tempo regulamentar" é de novo em tom de festa. É aqui que o mestre de cerimónia que o fato envergado por Oldham faz supor se liberta, dialogando com desenvoltura e algum humor nos intervalos das canções. Cabendo-me a mim decidir, terminaria o concerto por aqui, francamente em alta. Mas, como já atrás referi, houve regresso para duplo encore, o que além de ser causador de algum cansaço, parece-me não ter acrescentado nada de novo a um concerto previamente estruturado na alternância anteriormente descrita. Peço apenas que considerem este senão como pormenor de diminuta importância num dos melhores concertos a que Lisboa pôde assistir nos tempos mais recentes.

10 anos é muito tempo #32

2011-10-24T19:44:00.000+01:00

FUGAZI
The Argument
[Dischord, 2001]

Depois de um percurso impoluto de aproximadamente 15 anos, nos quais construíram uma base sólida de adeptos, assente tanto nas ideias sócio-políticas como postura absolutamente independente, os Fugazi silenciaram-se em 2001. Para desespero dessa horda de devotos, ainda hoje não é claro que a banda esteja apenas num longo hiato, ou que tenha efectivamente terminado. Sendo válida a última hipótese, arriscaria afirmar, sob pena de fatwa por parte dos adeptos da ira berrada dos primórdios, que se despediram, musicalmente falando, com o mais coeso, ambicioso, e conseguido dos seus seis álbuns.

Efectivamente, The Argument é um passo firme e consciente rumo a uma maior complexidade que não conhece amarras estilísticas, com a banda a conter a urgência em favor de uma linguagem sobejamente mais melodiosa. Quando se penetra nas estruturas intrincadas de cada tema, é impossível não pensar nos compinchas Unwound, também por esta altura a experimentar com derivações quase proggy. Este é também o disco em que, mais do que a catalogação post-hardcore, o rótulo post-punk assenta melhor aos Fugazi. As evidências surgem avulsas na veia experimentalista dominante e, mais especificamente, nas contaminações da música jamaicana em "Cashout" e "Oh", no ritmo nervoso de "Life And Limb", e nas pausas abruptas que sublinham cada "stop!" de "Epic Problem", este reminiscente do groove marcial corroído pelo gume das guitarras de uns Gang of Four. A paleta de instrumentos alarga-se também para lá da trindade rock, com o violoncelo do breve intro de abertura, ou o piano subtil que surge em "Strangelight".

Apesar dos riscos corridos na operação estética, The Argument não só abriu os Fugazi a novos públicos, como foi capaz de preservar a fidelidade cega dos seguidores de longa data, estes que, certamente, cresceram com a própria banda. Em boa verdade, diga-se que, tanto em matéria de ideário de rejeição em relação à norma vigente, como em raiva destilada pelas vozes alternadas de Ian MacKaye e Guy Picciotto (o baixista Joe Lally dá também um ar da sua graça no óptimo "The Kill"), os adeptos mais antigos ficam, apesar da evidente contenção, bem servidos. Em termos de agressão pura, não podíamos ainda deixar de referir o assalto sónico da dupla bateria e das guitarras contundentes de "Ex-Spectator".

"Epic Problem"

"Life And Limb"

"Ex-Spectator"

A oriente, algo de novo

2011-10-21T22:15:00.000+01:00

Quem aqui vem já há algum tempo e com alguma frequência sabe da minha devoção pela Stolen Recordings, uma pequena editora independente que nos faz crer na mudança do estado de coisas da actual música britânica. Do lote de excelentes bandas que já nos revelou, gostaria de destacar Pete & The Pirates (e os "derivados" Tap Tap), Let's Wrestle e My Sad Captains. Talvez menos conhecidos da generalidade, estes últimos são autores de um disquinho algo acima de simpático que me abrilhantou parte do Verão de há dois anos. Chamava-se Here & Everywhere e não se decidia entre o banho de sol e a melancolia, um pouco à semelhança do americana professado por gente como Sparklehorse e The Pernice Brothers. Contudo, tinha um intenso travo da pop campestre que não poderia ter outra origem que não fosse as ilhas britânicas.

Com a mesma discrição com que se estreou, a banda londrina prepara-se para lançar o seu segundo álbum. Leva o título, quase panfletário, Fight Less, Win More e conhecerá edição ao fim da primeira semana de Novembro. Infelizmente, as fotos promocionais mais recentes já não contam com a teclista Cathy Lucas, ela que, com os seus coros ameninados, era a responsável por uma boa parte da dose de sacarina do anterior registo. No entanto, e a julgar pela primeira amostra, parece-me não haver razões para temer pela preservação da pop hiper-harmoniosa dos My Sad Captains. Antes pelo contrário, julgo que, apesar das previsões de interrupção, este nosso Verão interminável pode regressar por alturas do São Martinho.

"Orienteers" [Stolen Recordings, 2011]

First Exposure #37

2011-10-19T22:56:00.000+01:00

TASHAKI MIYAKI

Formação: Tashaki (voz, btr); Miyaki (gtr)

Origem: Los Angeles, Califórnia [US]

Género(s): Indie-Pop, Dream-Pop, Lo-Fi, Psych-Pop, Shoegaze

Influências / Referências: The Jesus and Mary Chain, Best Coast, Carpenters, Mazzy Star, Dum Dum Girls, Cowboy Junkies

http://tashakimiyaki.bandcamp.com/

"Somethin' is Better Than Nothin'" [The Sounds of Sweet Nothing, 2011]

I'm amazzed!

2011-10-18T23:13:00.001+01:00

No extenso rol de músicos saídos do "movimento" Paisley Underground, mais que ninguém, David Roback ocupa o papel do rebelde, o inconformado que cedo abandona cada projecto em busca de novas experiências. Militou primeiramente nos Rain Parade, que deixou para formar e coordenar os Opal. Pelo meio deu ainda origem aos Rainy Day, projecto de versões que contou com várias vozes convidadas. Nestes dois últimos deixou a impressão de que andava à procura da voz feminina que melhor encarnasse as suas canções de uma melancolia árida. Encontrou-a em Hope Sandoval, dona de uma voz tão frágil como a sua silhueta, mas tão bela e delicada como os traços do seu rosto angelical. Juntos encabeçaram os Mazzy Star, autores de três assombrosos álbuns que renderam um sucesso acima da média. Depois veio o silêncio que já leva quinze longos anos. No ínterim, dele pouco se soube para além das escassas contribuições para bandas sonoras, enquanto ela alternou as colaborações em discos de outrém com o par de álbuns lançados com os Warm Inventions, projecto que fundou com Colm Ó Ciosóig, dos My Bloody Valentine.

Aquando do lançamento do segundo disco destes últimos, Sandoval dava conta que, apesar da prolongada ausência, os Mazzy Star continuavam activos. Esta revelação fez criar expectativas em torno de um eventual quarto álbum, que agora ganham forma com o anúncio do single Common Burn, lá mais para o final do mês e em formato digital. A seguir, está também previsto o lançamento do mesmo (com o lado B "Lay Myself Down") em vinil de 7". À falta de sons que não sejam um pequeno excerto do tema-título, a notícia é motivo bastante para que celebremos com a recordação daquele que é, por enquanto, o último asso(br)o:

"Flowers In December" [Capitol, 1996]

A Grécia a arder

2011-10-18T22:29:00.001+01:00

É facto consumado que as sonoridades de sessentas vieram para ficar no menu de muitas novas bandas. Com especial incidências nos Estados Unidos, mas um pouco por todo o globo, são incontáveis os jovens músicos rendidos ao garage, ao psych, ou ao surf-rock, muitas vezes com especial preferência por um dos "géneros", outras tantas combinando tudo em enérgicos melting pots de travo retro. Nesta última categoria fiquei agradavelmente surpreendido com os Acid Baby Jesus, banda que tem proveniência na improvável Grécia, país que, como todos sabem, é normalmente falado por motivos que não vale a pena relembrar.

Depois de causar furor com um par de pequenos formatos, e com os respectivos e incendiários concertos promocionais por essa Europa fora, o quarteto ateniense acaba de editar um primeiro álbum homónimo. Das treze curtas faixas que o compõem podem esperar energia a rodos, muita sujidade, gravações sem grandes cuidados técnicos, e também um bem vincado sentido de melodia ao serviço da canção, sem que isso ponha em causa o cariz transgressor dos mesmos. Quer isto dizer que Acid Baby Jesus demosntra a bandas como os espalhafatosos e hiper-sobrevalorizados Black Lips que a javardeira apenas é a via prioritária para quem tem escassez tanto de talento como de neurónios. Oiçam-no na íntegra e comprovem pelos vossos próprios timpanos:

<p>&amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://slovenly.bandcamp.com/album/acid-baby-jesus-self-titled-lp"&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;ACID BABY JESUS self-titled LP by Acid Baby Jesus&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;gt;</p>
[Slovenly, 2011]

No cinema da esquina

2011-10-13T23:04:00.000+01:00

Foto: Cat Stevens

O embrião dos Still Corners remonta a 2007, quando Greg Hughes, um cinéfilo devoto das bandas sonoras clássicas, se mudou para Londres e aí gravou um EP sob essa denominação. A banda propriamente dita só começou a tomar forma quando Hughes encontrou a cantora Tessa Murray. Para enquadrar a coisa já no mito em construção, ou no lugar-comum cinematográfico, dependendo da perspectiva, conta-se que esse encontro, absolutamente fortuito, ocorreu sob um denso nevoeiro numa estação de caminhos-de-ferro deserta. No ano passado, já como quarteto, os Still Corners libertaram o tema "Endless Summer", canção de uma beleza atmosférica em que Phil Spector e Ennio Morricone parecem ter-se reunido para musicar um película nouvelle vague. Ao dito, que evoca também os girl groups de sessentas, não falta sequer a mais surripiada batida de sempre. Com o burburinho criado por essa blogosfera fora, as editoras acotovelaram-se para os contratar.

O concurso pelos Still Corners foi ganho pela norte-americana Sub Pop Records que, há poucos dias, lançou Creatures Of An Hour, o esperado álbum debute. Infelizmente, e como em muitos casos de expectativas desmesuradas, o disco no todo está longe do nível daquele tema (incluído na dezena que compõe o alinhamento). Contudo, penso que isso não será impedimento à aclamação popular dos Still Corners, seguindo a lógica dos sucessos recentes dos Beach House e das Warpaint. E fala-se destes nomes porque, com eles, Creatures... partilha, respectivamente, o ambiente cinemático e a doçura angelical. No entanto, e salvas as devidas distâncias, penso que será mais adequado estabelecer comparações com o filme negro do segundo Portishead, na música, e as polifonias de Liz Fraser, na voz. Antes que me chamem louco, ou que algum louco fanático me excomungue, vou reduzir a coisa a uns "The xx de câmara" encabeçados por Julee Cruise.

Deixando de lado as sempre redutoras comparações, reconheçamos a Creatures... os devidos méritos, tanto na qualidade dos arranjos e na envolvência das texturas, como no encanto da voz, a um mesmo familiar e misteriosa. Não sendo qualidade, apenas característica, bastar-lhe-á o cariz "bonitinho" para que, a breve trecho ou, na pior das hipóteses, depois de a banda aterrar no cartaz de um festival do burgo, seja venerado por milhares de tugas. Vai uma aposta?

"Cuckoo" [Sub Pop, 2011]

Discos pe(r)didos #58

2011-10-11T23:03:00.001+01:00

THE WENDYS
Gobbledygook
[Factory, 1991]

Nos alvores da década de 1990, não se sabe por pressentir a bancarrota iminente, se por remorso de ter enjeitado a contratação dos Stone Roses anos antes, Tony Wilson fez da Factory uma editora rendida à onda baggy. O gesto traduziu-se na contratação de um pequeno número de bandas a operar no cruzamento da pop com a dança, aparentemente sem qualquer critério que não fosse lucrar com a tendência que então agitava o Reino Unido.

Do conjunto, não hesito em apontar os escoceses The Wendys como os únicos dignos de nota de destaque. Poucos meses após a formação, já a procissão baggy tinha passado o adro, o quarteto de Edimburgo lançava o primeiro álbum, merecedor de aclamação crítica mas, para o mal das necessidades económicas da editora, muito aquém das expectativas em termos de mercado. Talvez derivado das origens da banda, Gobbledygook distingue-se do grosso da produção da altura inscrita na mesma tendência mormente pelo sublinhado que põe na composição de canções pop escorreitas, deixando o frenesim dançante num segundo plano. A própria voz de Jonathan Renton privilegia o timbre melódico, em detrimento do tom sarcástico, como quem solta invectivas panfletárias, que era comum entre os seus pares. Por exemplo em "Pulling My Fingers Off", tem a suavidade mellow de um Tim Burgess (The Charlatans), também ele menos dado a efusividades que a maioria, enquanto que em "I Want You And I Want Your Friend" está próxima da expressividade dos épico-líricos pop de meados de oitentas.

Não se pense com isto que Gobbledygook é um disco mais apontado ao sentimento que aos prazeres da dança. Antes pelo contrário, convida a dançar sim, mas de uma forma contida, cool, sem o espalhafato galhofeiro de uns Happy Mondays. À semelhança destes, os Wendys resgatam as guitarras lânguidas de uns Stones da melhor safra, que libertam sensualmente sobre os baixos pulsantes e as batidas sincopadas. Neste último ponto revisitam-se estéticas post-punk, nomeadamente o ritmo esquizofrénico de uns The Fall em "Halfblind", inclusive relembrado em certas tonalidades da voz. Neste tema, e também nos groovíssimos "Removal" e "Halfpie" há um certo sentir afro que, arrisco dizer, com a contenção típica dos Wendys, antecipa em décadas os ritmos tão louvados dos hiper-mega-sobrevalorizados Vampire Weekend.

O inevitável destino da Factory, de todos conhecido, redundou na falência decretada em 1992, a punir anos de má gestão. Os Wendys viram-se assim sem editora, entregues à sua sorte, num cenário em que as guitarras vindas do outro lado do Atlântico falavam mais alto. Só voltaram a lançar um álbum, perante a indiferença generalizada, em 1999, pouco antes de porem um ponto final na carreira. Ficou assim por cumprir a profecia anunciada na derradeira faixa do seu excelente disco de estreia: "The Sun's Going To Shine For Me Soon".

"Pulling My Fingers Off"

"I Want You And I Want Your Friend"

"The Sun's Going To Shine For Me Soon"

Backgazing

2011-10-10T21:46:00.000+01:00

Para além de ser uma das mais estimulantes editoras independentes da América actual, no que a "descobertas" diz respeito, a Captured Tracks começa também a representar um importante papel no campo das reedições. Ainda há relativamente pouco tempo, a editora nova-iorquina fez chegar ao mercado compilações de dois dos tesouros mais bem guardados do indie britânico de ointentas: The Servants e The Wake. Em qualquer dos casos, e na eventualidade de não haver motivos musicais para a aquisição das rodelas, poderíamos sempre invocar a importância das bandas por terem integrado, em determinada altura do seu trajecto, dois figurões da década seguinte, respectivamente Luke Haines (The Auteurs) e Bobby Gillespie (Primal Scream).

Dando asas à veia arqueologista do fundador Mike Sniper (também mentor dos Blank Dogs), a Captured Tracks tem prevista uma série de reedições dedicadas às obscuridades shoegaze. A iniciativa leva o apropriado título The Shoegaze Archives. Pelo primeiro par de lançamentos anunciados, mais lá para finais de Novembro, somos levados a pensar que a coisa de baseie na facção norte-americana do movimento, persistente no tempo muito para além do desvanecer da "cena" original britânica. Um deles é A Folding Sieve, único EP de toda a carreira dos texanos shiFt que, à semelhança do que aconteceu há uns anos, será expandido e creditado aos Should, designação assumida pela banda até à actualidade. O outro é Oceanside 1991-1993, compilação que reúne os EPs dos jersianos deardarkhead naquele período além de outras curiosidades. Pelas amostras, somos levados a pensar que os primeiros enveredam por uma via mais abstraccionista, enquanto os últimos optam por uma sonoridade de atmosferas diáfanas. Ambos, conclui-se, são bem merecedores de um "estudo" aprofundado.

shiFt (Should) _ "Faded" [N D, 1995]

deardarkhead _ "Oceanside" [Fertile Crescent, 1992]

Mil imagens #23

2011-10-10T20:09:00.001+01:00

Pavement - Nova Iorque, 1996

[Foto: Christian Lantry]

A divina comédia

2011-10-09T15:56:00.000+01:00

Há uns quatro meses, num concerto a que lamentavelmente não pude assistir, os jersianos Big Troubles aterraram no palco da ZdB, acompanhados nessa mesma ocasião por Julian Lynch e os Ducktails, para uma noite de celebração das novas sonoridades indie estado-unidenses. Na altura, traziam no currículo apenas e só o álbum Worry (2010), gravado sob uma rigidez lo-fi e imerso num mar de feedback mas, ainda assim, capaz de demonstrar a vontade de escrever canções catalogáveis como pop. À semelhança de muita produção conterrânea actual, é uma obra que não fica imune às influências shoegaze.

Quem ouviu o trabalho de estreia dos Big Troubles poderá não os reconhecer no novíssimo Romantic Comedy, tal a radicalidade da mudança estética operada por Mitch Easter, antigo frontman dos power-poppers Let's Active e produtor que fez nome com R.E.M., Pavement e Helium, entre muitos outros. Esta será, porventura, uma operação que não deixa de conter os seus riscos, até porque, ao abrir a uma maior acessibilidade, poderá alienar alguns dos seguidores iniciais da banda. Contudo, o perigo e o mérito têm de ser repartidos com a própria banda, autora de uma dezena de temas de travo agridoce que exibe uma exuberância pop que julgávamos impossível há poucos meses. Desta feita, os radares são apontados para Reino Unido indie de finais de oitentas. Por conseguinte, canções como a inaugural "She Smiles For Pictures" resultam como uma espécie de jangle-pop polido, reminiscente de uns The Weather Prophets mas também do brilho fosco do trabalho assumidamente mais pop dos Pernice Brothers. Já "Make It Worse", com os seus floreados de guitarras, lembra aqueles raros momentos em que uns The Cure se deixaram banhar pela luminosidade. Por seu turno, a amostra infra tem a grandiloquência e a simplicidade doseadas de forma a aspirar à intemporalidade pop. Na fronteira com o oportunismo xoninhas para conquista das massas (olá Pains of Being (Im)Pure at Heart!), mas ainda bem dentro do "lado dos bons", Romantic Comedy sabe ser uma das bandas sonoras possíveis para este Verão tardio.

"Sad Girls" [Slumberland, 2011]

Singles Bar #68

2011-10-08T22:58:00.002+01:00

THE LOFT
Up The Hill And Down The Slope
[Creation, 1985]

Com uma carreira a solo que já vai longa, e hoje mais que nunca mergulhada na obscuridade, Peter Astor tem também integrado bandas em quantidade e qualidade, apesar de, normalmente, desaparecem num ápice. Foi ele o mentor de projectos como The Weather Prophets, Ellis Island Sound e The Wisdom of Harry, qualquer um deles merecedor de pequenos cultos no meio indie. Antes de todos, lançou-se nas lides musicais como líder de The Loft, banda que nunca chegou sequer a gravar um álbum mas que, graças à amizade com Alan McGee, faria parte da primeira leva de bandas da Creation Records. Eram os tempos que McGee e os seus acólitos viviam obcecados com a época áurea da pop de sessentas, e da sub-cultura mod em particular, como facilmente se afere da obra do próprio à frente dos Biff Bang Pow!.

Para a posteridade, os The Loft deixaram simplesmente dois singles, o último dos quais, Up The Hill And Down The Slop, é um autêntico marco na estética jangle-pop e, quiçá, na florescente cena indie de meados de oitentas. No tema-título são por demais evidentes as heranças dos Velvet Underground, bem sublinhadas no tropel de guitarras de gumes afiados. A letra, pura subtileza sobre o acto sexual, denota a mesma secura e o mesmo pendor literário que encontramos nos seminais Television, outra das bandas mais queridas dos indie-poppers de então. Neste último ponto, os The Loft estabelecem afinidades com os contemporâneos Felt, banda com a qual, segundo costa, mantinham um relacionamento de respeito mútuo. Na comparação entre ambas, o grande trunfo dos The Loft, arrisco a dizer sob pena de excomunhão, era a voz de Astor, substancialmente mais dotada que a de Lawrence. Para o lado B fica guardada uma faceta menos exuberante. Tema mais contido na energia, "Lonely Street" segue num ritmo lento de quase valsa, a fazer lembrar a ironia retorcida de uns Go-Betweens nos temas compostos e interpretados por Robert Forster.

Com uma obra escassa em demasia para a promessa que constituíam, os The Loft viram reconhecida a sua importância no seio da Creation por David Cavanagh, o jornalista musical responsável pela escrita da história "oficial" da editora. Esse volume, de leitura obrigatória para qualquer adepto indie, leva título sacado à letra da sua canção mais proeminente, precisamente My Magpie Eyes Are Hungry For The Prize.

Mixtape #13 - Losing Touch With My Mind

2011-10-06T21:21:00.000+01:00

[Imagem: Patrick Hoesly]

Para hoje, gostaria de vos convidar a uma hora e pouco de deriva mental. É mais uma compilação com a marca April Skies, desta vez carregada de sons da nova psicadelia. Os protagonistas são, consoante a perspectiva, os netos de Roky Erickson e os sobrinhos dos Spacemen 3, algo que nos últimos dez/doze anos se tem multiplicado como cogumelos, sobretudo nos territórios da América do Norte. Alheia a esta disseminação não será certamente a vaga arqueologista que assola a música actual, mas também uma nova postura de contra-cultura em tempo que as atitudes gregárias são a norma. Destes dezasseis temas, que de forma alguma pretendem ser um retrato definitivo do "movimento", podem esperar muitas vozes projectadas, muita reverberação, e muitas drone machines. Alguns deixam-se contaminar pelo shoegaze, muitos mais pelo kraut, ainda outros são mais ortodoxos na abordagem, todos têm propósitos lisérgicas.

Que a viagem comece...

http://www.mediafire.com/?u9uvus7wrd6uiez

01. BARDO POND _ "Sunrise" (2001)

02. SECRET MOUNTAINS _ "Rejoice" (2010)

03. CREEPOID _ "Hollow Doubt" (2011)

04. BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB _ "White Palms" (2001)

05. THE VACANT LOTS _ "Confusion" (2011)

06. THE BLACK ANGELS _ "Black Grease" (2006)

07. PSYCHIC ILLS _ "January Rain" (2006)

08. ALL THE SAINTS _ "Regal Regalia" (2008)

09. THE BRIAN JONESTOWN MASSACRE _ "Here It Comes" (2003)

10. LUMERIANS _ "Burning Mirrors" (2011)

11. MOON DUO _ "Run Around" (2011)

12. TAME IMPALA _ "Half Full Glass Of Wine" (2008)

13. THE ASTEROID #4 _ "Go Ahead" (2006)

14. PINK MOUNTAINTOPS _ "Plastic Man, You're The Devil" (2006)

15. THE WARLOCKS _ "Come Save Us" (2005)

16. THE VANDELLES _ "Losing Touch With My Mind" (Spacemen 3 cover) (2011)

R.I.P.

2011-10-05T21:29:00.001+01:00

BERT JANSCH

[1943-2011]

Faleceu hoje, vítima de cancro do pulmão, Bert Jansch, música escocês, autêntica lenda da folk britânica, e um dos raros guitarristas a quem podemos chamar virtuoso sem que isso implique embaraço. Com uma carreira que que remonta a meados dos sixties, deixou gravada uma extensa e influente obra a solo que causou grande impacto em devotos assumidos como Johnny Marr, Graham Coxon, Jimmy Page, Bernard Butler, ou Neil Young. Sobre ele, disse este último que teve igual importância para a guitarra acústica como Jimi Hendrix teve para guitarra eléctrica. Ecos da sua música são também detectáveis na obra do igualmente lendário Nick Drake.

Entre 1968 e 1973 integrou também os Pentagle, colectivo fusionista de enorme aceitação crítica que conjugava folk-rock com elementos do jazz. Do global da obra, e sem desprimor para os restantes, merecem maior destaque o álbum homónimo de estreia de 1965 e Black Swan (2006), derradeiro trabalho editado em vida que veio renovar o interesse das novas gerações pela sua música. Em ambos, tal como na restante obra, ficam bem patentes a complexidade dos arranjos e a técnica apurada. A título de amostra, fica um tema de cada um deles, o último uma reinterpretação de um bem conhecido tradicional nas vozes de Beth Orton e Devendra Banhart, apenas dois dos muitos convidados que incluiu nos seus discos.

"Needle Of Death" [Transatlantic, 1965]

"Katie Cruel" [Drag City, 2006]

P**a de vida

2011-10-03T22:27:00.001+01:00

Quando emergiu do isolamento do quarto, há coisa de dois anos, Nathan Williams trazia consigo um conjunto de temas que, apesar das precárias condições de gravação, eram autênticas vinhetas do mais puro ennui juvenil. Generoso em ruído e distorção, Wavvves era veículo escapista para um puto aborrecido com o mundo dos crescidos e indiferente à ortodoxia pop, um pouco à semelhança do Kurt Cobain pré-fama. A exposição, ainda que limitada ao reduto underground, causou mossa, e Nathan deu alguns sinais de perturbação em ocasiões por demais documentadas. Não obstante o caos que ainda caracteriza cada actuação, o equilíbrio parece ter sido reposto com a chegada da antiga secção rítmica do finado Jay Reatard, momento que coincidiu com à elevação dos Wavves a banda propriamente dita. A acalmia dos ímpetos emocionais teve reflexo no último King Of The Beach, passo evolutivo com concessões ao formato canónico de canção pop, mas igualmente injectado de uma energia inesgotável.

Para aqueles que não ficaram totalmente satisfeitos com a operação de cosmética levada a cabo no trabalho do ano passado, que, sem desprimor para a qualidade das canções, desvirtuou o conceito que primeiramente nos atraiu no jovem músico, a compensação já anda aí. Chama-se Life Sux, consiste num EP composto por cinco petardos punk-pop imparáveis e impregnados de coros irresistíveis que, sem assumir em absoluto o regresso à pureza lo-fi de antigamente, funciona como um meio-termo entre as duas facetas. Mesmo com uma audição desatenta, Life Sux permite desde logo discernir ecos da alvorada de noventas que remetem para bandas como os Dinosaur Jr. ou os próprios Nirvana. Interessa referir que a namoradinha Bethany Cosentino (Best Coast) é a responsável pelos coros na lascívia juvenil de "Nodding Off", enquanto Pink Eyes (dos Fucked Up) fornece a berraria no devastador "Destroy". Porém, o destaque do conjunto vai inteirinho para a amostra infra, ironia certeira com referência ao omnipresente proclamado Mr. Cool e recado/ameaça ao detractores. Mesmo com as incorrecções gramaticais, aquele "You're still never gonna stop me" é para ser levado a sério.

"I Wanna Meet Dave Grohl" [Ghost Ramp, 2011]

Good cover versions #58

2011-10-01T19:16:00.000+01:00

14 ICED BEARS _ "Coming Down" [Thunderball, 1989]
[Original: The United States of America (1968)]

Colectivo de breve existência, os angelinos The United States of America são um dos segredos mais bem guardados do movimento contra-cultura que agitou o país que lhes deu o nome em finais de sessentas. Renderam apenas um álbum, único também na proposta que apresentava, com pretensões arty e orientada algures na intersecção de diferentes projectos mais conhecidos da mesma época. Assim, assimilavam elementos de diferentes proveniências, tais como o positivismo acidificado dos Jefferson Airplane, a exploração electrónica pioneira dos Silver Apples, ou até os encantos enegrecidos dos Velvet Underground com Nico. Acredite-se ou não, esta sonoridade tão peculiar teve forte impacto em projectos recentes como os finados Broadcast, influência que, de resto, os próprios nunca refutaram. Na sua curta duração, inferior aos três minutos, "Coming Down", um dos temas desse álbum único, é a súmula perfeita da combinação dessas diferentes sensibilidades.

Igualmente originais no contexto das bandas nascidas da explosão indie propiciada pela C86, porque rendidos ao então demodé psicadelismo, os britânicos 14 Iced Bears seriam certamente conhecedores desta e de muitas outras obscuridades do género. Por inerência, tiveram direito à sua reinterpretação de "Coming Down", relativamente fiel ao original mas, ainda assim, em linha com outras expressões indie contemporâneas. A primeira diferença significativa que ressalta das duas versões é a voz, feminina e encantada no original, masculina e imberbe na releitura. Embora substancialmente menos dados aos delírios hedonistas que alguns dos seus pares mais célebres, os 14 Iced Bears têm aqui uma inusitada concessão ao groove. Como resultado, a espaços, temos a sensação de estar na presença de uma variação empoeirada do brilho multicolor com que, à época, os Stone Roses agitavam as massas.

À flor da pele

2011-09-29T23:01:00.000+01:00

Há três anos, Kristin Gundred era vocalista e baterista dos Grande Ole Party, um trio de San Diego que não durou ou produziu o suficiente para merecer merecer mais do que uma nota de rodapé nas "enciclopédias" pop. Se a importância da banda é diminuta (talvez a única particularidade seja a miúda que, além de baterista, também canta), o nome da moça também pouco vos dirá. Talvez o caso mude de figura se vos disser que essa é a mesma pessoa que agora é conhecida como Dee Dee Penny, mentora e frontwoman das excelsas Dum Dum Girls. No curto período de vida, o trio deixou editado apenas um álbum (Humanimals, de 2008), que deu azo a comparações com os Yeah Yeah Yeahs que iam muito para além da composição da banda.

Soube-se há pouco que, quando se extinguiram, pouco depois da estreia, os Grand Ole Party tinham pronto um segundo álbum. É esse disco que vê agora a luz do dia sob o titulo genérico Under Our Skin. E em boa hora, digo eu. Não que, no essencial, difira muito do rock musculado e dengoso, de inflexões bluesy, do antecessor, ao ponto de merecer uma reconsideração do estatuto dos progenitores. Porém, é justo reconhecer a Under Our Skin melhorias significativas, tanto ao nível da contenção expressiva, como (e sobretudo) na escrita de canções com cabeça, tronco e membros. Portanto, e acima de tudo, uma curiosidade que permite aferir do estádio de desenvolvimento intermédio daquela que se destaca dos seus pares, precisamente, pelo engenho na concepção de pequenas gemas sob a forma de canções pop. A mesma que, por exemplo, engendrou o novíssimo Only In Dreams, disponível para audição integral aqui.

15 x 2 = 30

2011-09-29T22:17:00.000+01:00

Como tantas outras editoras independentes, a Polyvynil Records nasceu do entusiasmo de dois jovens amigos ainda em idade escolar, na circunstância Matt Lunsford e Darcie Knight. Embora os primeiros passos remontem a 1994, só dois anos mais tarde se estabeleceria em definitivo, precisamente no momento que a "cena" local de Champaign-Urbana, uma pequena metrópole mesmo ali ao lado da fervilhante Chicago, o justificou. Selectiva nas suas contratações, a Polyvynil foi-se desenvolvendo, com passos curtos mas firmes. Há meia dúzia de anos, já com distribuição à escala nacional, teve aquilo a que se pode chamar um primeiro sucesso, na pessoa dos efusivos of Montreal. Daí à abertura de uma filial na Califórnia, mais perto dos centros de decisão do showbiz, foi apenas um passo.

Hoje uma editora consolidada, mas daquelas que ainda não perderam o espírito de independência, a Polyvynil está a comemorar o seu 15.º aniversário. Com esta bonita idade, tem já no cardápio bandas provenientes dos diferentes pontos do país natal, mas também da Austrália, do Canadá, e da Europa. Para além das previsíveis acções comemorativas nestes casos (exposições, concertos), a data fica também assinalada pela edição de uma compilação retrospectiva destes primeiros quinze anos de vida. Nos trinta temas que compõem o alinhamento, contam-se "consagrados" como os já citados of Montreal, Deerhoof, Mates of State, e Xiu Xiu; bandas emblemáticas como Joan of Arc; e nomes com relativo reconhecimento como Vivian Girls, Architecture in Helsinki, Love is All, Asobi Seksu, Someone Still Loves You Boris Yeltsin, e Loney Dear. E, claro está, essa fulgurante dupla que dá pelo nome de Japandroids, tão acarinhada por estas bandas. O melhor da coisa é que é de borla! Aqui.

First Exposure #36

2011-09-27T22:29:00.001+01:00

WHITE BIRDS

Formação: J. Harvey (voz, gtr); F. Houshiarnejad (bx, voz); M. Cammarata (btr, voz)
Origem: Filadélfia, Pennsylvania [US]
Género(s): Indie-Pop, Dream-Pop, Lo-Fi, Indie-Folk
Influências / Referências: The Beach Boys, Fleet Foxes, The Byrds, Real Estate, Beachwood Sparks

http://whitebirds.bandcamp.com/

"Honora" [Grizzly, 2011]

Here we are now, entertain us

2011-09-26T20:33:00.000+01:00

Foto: Kirk Weddle

"It means we won." - Gina Arnold

As palavras acima transcritas foram proferidas a propósito da chegada de Nevermind ao primeiro lugar da tabela de vendas norte-americana. Um feito já de si surpreendente, ganha outros contornos de simbolismo por ter destronado aquele que seria, porventura, o maior ícone mainstream à data: Michael Jackson.

E quem é o "nós" a que a jornalista que fez carreira na Spin e na Rolling Stone, entre outras, se refere? Esse "nós" representa todos aqueles que, durante a década de 1980, de forma apaixonada e desinteressada suportaram o underground ianque, imunes aos ditames do establishment. Era essa a América de, entre tantos outros, Hüsker Dü, Dinosaur Jr., Sonic Youth, ou Pixies. Sobre estes três ultimos, convém lembrar que em Setembro de 1991 ainda não gozavam de reconhecimento mediático comparável ao de hoje. De resto, a possibilidade de trazer esse mundo subterrâneo (do qual era uma súmula) à superfície foi um efeito imediato e benéfico do sucesso de Nevermind. Num cenário em que o underground passou a overground, lucraram também as bandas emergentes, como os Pavement ou PJ Harvey (o trio inicial, esclareça-se), que apareceram num contexto substancialmente mais favorável ao crescimento.

Mas eis que, com o rumo da história bem encaminhado, e apercebendo-se do potencial de algo que até aí tinham ignorado, os executivos da indústria decidem nomear os Nirvana arautos de algo que incluía alguns pares mais alinhados com os excessos do rock dinossáurico de setentas, justamente uma das aversões confessas de Kurt Cobain. Pior, pior, só mesmo quando, por volta de 1994, é um vê-se-te-avias a assinar sub-produtos, clonagens toscas, e poseurs avulsos. Estava encontrada uma nova fórmula Rock FM que perdura até aos dias de hoje.

E o que tinha Nevermind de tão especial? Bem, desde logo um lote de canções de excepção que revelam uma incrível sensibilidade pop em conflito com a dureza das guitarras, mesmo quando se libertam os arremedos punk do "ensaio" Bleach, dois anos antes. Na afirmação de Cobain como compositor bafejado pelo génio, é justo atribuir a quota parte de responsabilidade ao trabalho de "limpeza" e "brilho" impostos pelo produtor Butch Vig, nome já com vasto currículo no underground, mas a partir daqui requisitado para projectos mais visíveis. A esta distância, essa característica técnica será, eventualmente, a grande pecha de Nevermind, que nas escutas mais recentes me soa demasiado preso a um tempo específico. Ainda e apenas referindo-me à produção, julgo que a crueza deliberada do subsequente In Utero resiste melhor ao tempo, talvez porque preserve maior pureza musical.

Vinte anos volvidos desde a sua edição, precisamente assinalados no passado sábado, a questão que ainda interessa debater é se alguém previu, ou até premeditou, o "fenómeno" Nevermind. Ainda que beneficiando dos relativos sucessos recentes do "mundo alternativo" a cargo dos Faith No More ou dos Jane's Addiction, penso que não. Penso que a parca primeira tiragem da edição britânica, reduzida a 40.000 exemplares, dá algum suporte à minha opinião. Acho sim, e não sou original na análise, que o furacão Nirvana se ficou a dever à "canção certa no momento certo" para toda uma geração alienada do contexto sócio-cultural da época. Um vídeo adequadíssimo em alta rotação fez o resto, e o mundo da música popular nunca mais foi o mesmo...

"Smells Like Teen Spirit" [Geffen, 1991]

Descida ao Inferno

2011-09-22T22:21:00.001+01:00

Na bolsa de valores musicais as cotações são variáveis. O que hoje não vale um chavo, pode amanhã ter o valor do metal dourado, e muitos clássicos instantâneos tornam-se esquecíveis ao fim de um lustro. Neste contínuo de reapreciação e reavaliação, a outrora mal-amada década de 1990 (no fim de contas, a "minha" década!) já é ponderada com o distanciamento suficiente a permitir a descoberta de inúmeros tesouros perdidos. Não é, portanto, de espantar que essa era seja agora intensamente explorada pelo quase único ganha-pão actual da indústria musical: a reedição.

É neste contexto de redescoberta que me apraz registar a recuperação dos britânicos Disco Inferno, banda que, no lapso de tempo compreendido entre 1991 e 1995 esteve particularmente activa na facção mais desafiadora do rock de então. Tal como os Bark Psychosis, para os quais cedo perderam um dos membros fundadores, estiveram na génese daquilo que ficou rotulado de post-rock. Aqui o conceito não deve ser entendido como a fórmula instrumental já algo gasta que passou para o senso comum, mas antes como algo que, partindo de uma matriz rock, não conheciam amarras à aventura e à experimentação, tal como "definido" um dia por Simon Reynolds. E, no período acima referido, os Disco Inferno muito contribuíram para lançar novos desafios ao "género moribundo", com dois álbuns e uma mão cheia de EPs, qualquer um deles merecedor de figurar nas colecções de discos que não se limitam aos frutos de cada estação.

São os quinze temas constantes dos EPs que surgem agora reunidos na compilação singelamente intitulada The 5 EPs, uma dádiva tendo em conta que há muito se encontravam fora de circulação. Será esta a porta de entrada ideal para neófitos no mundo dos Disco Inferno, uma banda que, como poucas, soube integrar o sampler em contexto rock. É surpreendente, tal a mestria com que as peças são combinadas, saber que a base de qualquer uma destas quinze canções (sim, o termo faz todo o sentido) se baseia na sequenciação de sons de proveniências várias: rádios antigas e exóticas, jingles publicitários, coros infantis, vidros estilhaçados, pedaços de músicas alheia, e o que mais vier à rede. Mas a música dos Disco Inferno não rejeita o elemento orgânico, materializado nas cascatas delicadas das guitarras, presumivelmente apreendidas do "mestre" Vini Reilly. Organizado cronologicamente, The 5 EPs é bem demonstrativo da rápida evolução sonora da banda ao longo do tempo, da contemplação de paisagens do começo, às colagens frenéticas da fase derradeira. Fica um par de amostras, um de cada fase. No último, penso que facilmente vão identificar a proveniência da batida ostensiva, apesar enquadrada num carrosel multicor com uma década de avanço em relação a uns tais The Go! Team.

"Summer's Last Sound" [Cheree, 1992]

"It's A Kid's World" [Rough Trade, 1994]

It's the end of the world as we know it (and I feel fine)

2011-09-21T23:02:00.000+01:00

"To our Fans and Friends: As R.E.M., and as lifelong friends and co-conspirators, we have decided to call it a day as a band. We walk away with a great sense of gratitude, of finality, and of astonishment at all we have accomplished. To anyone who ever felt touched by our music, our deepest thanks for listening." R.E.M.

A notícia já era esperada, ou sobretudo desejada, não só por mim como por um enorme rol de devotos dos "outros" R.E.M. que não vislumbravam um fim para o penoso calvário de década e meia, especialmente agudizado com a saída do baterista Bill Berry, em 1997. Contudo, este longo período de franca seca de inspiração não belisca a reputação da banda de Athens, Geórgia, conquistada essencialmente durante os anos da "independência" dos idos de 1980, década em que constituíram o equivalente norte-americano aos britânicos The Smiths, em termos de consistência editorial e culto crescente junto de um público fiel.

Formados em 1980, só três anos mais tarde o R.E.M. se estrearam no lançamentos de álbuns. A estreia coube a Murmur, desde logo alvo de grande aclamação, ainda que algo imberbe no assimilar das referências dos Byrds e das raízes musicais estado-unidenses filtradas pelos ventos post-punk que sopravam de Inglaterra. Nos quatro discos seguintes, lançados à razão de um por ano, os R.E.M. haveriam de aprimorar essa fórmula única e muito pessoal. Com especial destaque para Reckoning (1984) e Lifes Rich Pageant (1986), ambos já alvo das recomendáveis edições comemorativas de 25.º aniversário e demonstrativos de uma banda em estado de graça. É neste período de maturação que a música se vai adensando numa discreta complexidade, e que Michael Stipe vai refinando a ambiguidade da escrita.

Com o crescente de popularidade, primordialmente originada nas college radios, chegou o assédio das multinacionais. O concurso pelos R.E.M. foi ganho pela gigantesca Warner Bros., para a qual se estrearam com o meritório, mas domado, Green (1988), disco já com considerável sucesso comercial. A consagração mediática definitiva chegaria com o desequilibrado Out Of Time (1991), privilegiado pela rodagem massiva do hit "Losing My Relligion" e pela abertura dos media, e consequentemente dos mercados, ao mundo "alternativo". No ano seguinte, a redenção com novo clássico: Automatic For The People, a obra-prima da fase crescida dos R.E.M.. Após a curiosidade Monster (1994), rendido a sonoridades mais duras e agrestes, o árido e desencantado New Adventures In Hi-Fi (1996) assinala nova subida de forma. Podendo prever o futuro, qualquer cidadão sensato terminaria aqui uma história com um final feliz. Assim não o quiseram Michael Stipe, Peter Buck e Mike Mills que, em trio sob os holofotes da fama, acrescentaram um longo posfácio que não interessa mencionar.

"Radio Free Europe" [IRS, 1983]

"So. Central Rain" [IRS, 1984]

"Fall On Me" [IRS, 1986]

Aprovamento!

2011-09-21T21:50:00.000+01:00

Há cerca de dois anos, o quarteto The Drums chegava de rompante com um EP que era uma delícia para os adeptos da pop sem preconceitos e orgulhosa de o ser. Embora piscando o olho à era dourada dos sixties, e em particular às tonalidades surf, Summertime! surpreendia pela sua frescura, talvez derivada da tenra idade dos seus autores. Passaram-se alguns meses e chegou o primeiro álbum, e com ele o desmoronar das melhores expectativas. Não sei se influenciado pelas opiniões mais cépticas, se por reacção anti-hipster, mais provavelmente pela perda do "efeito novidade".

O tempo passa, e com ele são reconsideradas muitas análises prévias. Em relação ao debute dos The Drums, mantenho algumas reservas, mas é com renovado entusiasmo que recebo o novo Portamento, gravado ainda antes da saída acrimoniosa do guitarrista Adam Kessler. Talvez pressentindo essa mexida na formação, que até ia precipitando um final precoce da banda nova-iorquina, e com o intuito de preencher os espaços, o novo álbum dá rédea solta aos apontamentos de uma electrónica rudimentar. Mais sombrio que o seu antecessor, Portamento conserva ainda o espírito juvenil implícito a este género de canções. Uma escuta mais atenta permite também aferir da devoção pelos The Smiths, não tanto pela suave melancolia, mas mais pelas texturas das guitarras, por várias vezes subtilmente decalcadas das malhas cintilantes de Johnny Marr. Espera-se, contudo, que as vozes da reacção apontem as semelhanças evidentes entre cada um dos doze temas. Mas quem quer saber disso quando cada um deles exibe um naipe de recursos melódicos só ao alcance dos grandes artesãos pop? É o caso do exemplo infra que, ou é de mim, ou faz lembrar a letra daquela canção do rapaz que até gostava de ir dar uma volta mas não tinha um trapo para vestir.

"Money" [Moshi Moshi, 2011]

Em escuta #60

2011-09-20T22:54:00.000+01:00

THE PSYCHIC PARAMOUNT _ II [No Quarter, 2011]

Imerecidamente arredado dos destaques musicais da estação, este quarteto nova-iorquino rompe um silêncio de seis anos com um disco que é um claro passo evolutivo em relação ao debute. II espraia-se pelos meandros da música instrumental, na qual as guitarras se degladiam com as percussões, que tanto remetem para as escalas jazzísticas como para as propulsões kraut, alternando momentos pacíficos com descargas sónicas. Em teoria, poderíamos estar perante mais um projecto do mais estafado post-rock. Sucede que os Psychic Paramount trocam as voltas ao óbvio, dispondo os crescendos de forma casual e em duração variável. A ter de estabelecer paralelismos, prefiro remeter, salvas as distâncias melódicas, para as primeiras manipulações do ruído a golpes de guitarra de um Glenn Branca. [7,5]

TORO Y MOI _ Underneath The Pine [Carpark, 2011]

Projecto pessoal de Chaz Bundick, Toro Y Moi é uma das faces visíveis do chamado hypnagogic. Extremamente activo nos últimos tempos, privilegiou a via electrónica no registo do ano passado (Causeurs Of This). Substancialmente mais orgânico, este terceiro álbum destaca-se pelo bom punhado de temas que se deixam contaminar pelo disco e pelo funk "eléctrico", porém com subtileza e bom-gosto bastantes para não resvalar para o mero revisionismo. Contudo, no meio do borbulhar do frenesim destes ritmos, Bundick não enjeita os momentos de maior recolhimento, agora enriquecidos pela delicadeza de alguns apontamentos de guitarra. Ou até de texturas mais ásperas, como é o caso do frio metálico do intro que abre o disco. No final da fruição, fica no ar a sensação que, unidas as pontas soltas, este será apenas um passo seguro num trajecto em que o melhor poderá ainda estar para vir. [7,5]

WOODS _ Sun And Shade [Woodsist, 2011]

Com um ritmo de edições notável (sete álbuns desde a formação, em 2003), os Woods vão, com pequenas afinações na sua sonoridade, conquistando lugar de destaque na actual produção ianque. Quem conhece o par de discos imediatamente anterior já sabe o que Sun And Shade tem para oferecer: semi-baladas semi-psicadélicas estendidas sob um sol de fim de tarde, uma doce lazeira, e vozes nasaladas reminiscentes tanto de Graham Nash como de Neil Young. Não falta sequer a versão "obscura", desta feita por conta de "Who Do You Think I Am?", original de uns tais The Appletree Theatre. Mas eis que, no compromisso a meio caminho entre a folk e o lo-fi, o par de longos instrumentais irrompe abrindo novos mundos. O primeiro, "Out Of The Eye", deixa-se claramente enredar nas malhas do kraut. Já "Sol Y Sombra", substancialmente mais atonal, deriva progressivamente para a cacofonia velvetiana. Da conciliação da velha sonoridade com os potenciais corpos estranhos nasce, pasme-se, o mais conseguido e arrojado disco dos Woods. [8]

TY SEGALL _ Goodbye Bread [Drag City, 2011]

Outrora municiador de ondas de ruído gratuito, o californiano Ty Segall é mais um nome para juntar à falange dos putos-americanos-com-devoção-pelo-lo-fi-que-gravam-como-o-caraças à qual pertencem Nathan Williams (Wavves) e o malogrado Jay Reatard. Neste primeiro disco com algumas cedências à ortodoxia, porém, destaca-se dos seus pares com uma surpreendente maturidade pop. Construído quase exclusivamente à guitarra, com percussões rarefeitas, Goodbye Bread é um tratado de canções que destilam ennui juvenil. Ainda que gravado em condições precárias, faz disso uma mais valia em favor da pureza musical. Quando evoca, ao de leve, a berraria do passado recente (caso do brilhante "My Head Explodes"), Ty Segall parece ter encontrado a contenção adequada às pretensões de harmonia e catarse. E já que se fala em catarse, seria imperdoável não referir o não menos brilhante "I Am With You", pura declaração de desprezo, tanto pelo mundo dos pequenos como pelo dos graúdos. Talvez, tal como o outro e tantos de nós, Segall just wasn't made for these times... [8]

As primeiras impressões de Verónica

2011-09-19T19:12:00.000+01:00

Presumo que ainda se lembrem dos Veronica Falls, uma banda que aqui apresentei há já algum tempo. De então para cá, o quarteto londrino lançou um par de singles que nos deixaram de sobreaviso em relação a edições futuras. Com injusta jocosidade, são muitas vezes apontados como a "banda-britânica-que-imita-os-americanos-que-imitam-os-ingleses". Quer isto dizer que, com as suas guitarras estridentes e ligeiramente distorcidas (poupem o inadequado shoegaze, sff), alinham na recordação da época áurea do indie da segunda metade de oitentas, aquela que foi propulsionada pela já mítica C86. Não será por acaso que chamaram a atenção da Slumberland Records, eventualmente a editora que melhor representa estas sonoridades. A verdade é que, talvez por inerência das origens, parecem-me das propostas mais genuínas dentro do "género" e aparentados.

Em breve, mais precisamente dentro de um mês irão ser sujeitos à prova dos noves - leia-se primeiro álbum. Simplesmente intitulado Veronica Falls, o disco inclui uma dúzia de temas, entre eles a parelha já nossa bem conhecida ("Found Love In A Graveyard" e "Beachy Head") em gravações ligeiramente diferentes. E inclui também este óptimo avanço, que mantém intacta a singularidade da música dos Veronica Falls: matriz pop em estado de graça, sublinhada nas harmonias vocais, contaminada por uma espécie de surf "zombificado" e por um intenso cheiro à sujidade garage. Como poderão constatar, este tema tem ainda a particularidade de introduzir um riff assumidamente flamenco(!). Que a contagem decrescente comece...

"Bad Feeling" [Slumberland / Bella Union, 2011]

O Sol, quando nasce, é para todos

2011-09-17T14:52:00.000+01:00

Em tempos que já lá vão, Indra Dunis e Aaron Coyes foram integrantes dos obscuros Rahdunes, banda drony a operar na área de São Francisco. Mudaram de poiso, para Madison, no Winscosin, casaram e, juntos, fundaram os Peaking Lights. Num primeiro trabalho, e ainda que a navegar em ondas de ruído, o casal demarcou-se do passado com uma proposta com aproximações à estandardização pop.

O corte definitivo com aquelas sonoridades acontece com o mais recente 936. Ainda que não se trate de um disco digerível por todos os tímpanos, o segundo álbum dos Peaking Lights é forte candidato a criar culto de crescimento gradual. Numa abordagem rápida e simplista, podemos atribuir-lhe adjectivos como "psicadélico" ou "exploratório". Porém, tal catalogação pouco diz da originalidade da sonoridade, construída a partir da sobreposição e repetição de notas esparsas de guitarra e texturas de sintetizadores "preparados" pelos próprios, e que assenta essencialmente em expressões da música jamaicana como o dub, ou até, mais subtilmente, o reggae. Os ouvidos mais atentos poderão ainda detectar um leve travo trendy da nova tendência chillwave, mas em dose tão diminuta que é mais tempero que ingrediente.

Fruto do crescente interesse por essa blogosfera especializada, 936 já valeu aos Peaking Lights uma pequena subida na escadaria das "independentes". Lançado originalmente em Março último por uma pequena editora, está agora a ser distribuído pela multifacetada Mexican Summer, na América do Norte, e pela Weird World (subsidiária da Domino Records) na Europa. Entretanto, há já a confirmação de que o terceiro trabalho, anunciado para os primeiros meses do próximo ano, terá selo desta última editora. Desta vez, desconfio, os rivais "sanguessugas" de bandas emergentes da 4AD deviam estar distraídos...

"All The Sun That Shines" [Not Not Fun, 2011]

O mistério da Santíssima Trindade

2011-09-15T23:09:00.001+01:00

Há precisamente dois anos, os Girls aterravam nestes ouvidos. Traziam na bagagem um debute singelamente intitulado Album que, apesar de tão pouco "googlável" como o nome da banda, acabou por constituir um daqueles pequenos fenómenos que crescem de boca em boca. Vinha recheado com um naipe de canções intemporais que, embora toscas, não enjeitavam desejos de grandiosidade. O autor, Christopher Owens, expiava demónios e aliviava dramas passados, porém com uma ironia que o esquivava do ridículo da auto-comiseração. E isso, é preciso que se diga meus senhores, é proeza ao alcance de poucos depois do jovem Morrissey... Depois veio Broken Dreams Club (2010), um EP de canções mais cuidadas, e com ele o alarme: parece que agora o "nosso" Chris quer ser levado a sério...

A propósito do novíssimo Father, Son, Holy Ghost, gravado com uma sumptuosidade só possível em estúdios de alta qualidade, Owens veio afirmar que, no passado, os Girls eram lo-fi apenas porque não tinham acesso a melhores condições de gravação. Esse rapaz, se bem se lembram, era o mesmo que há escassos 24 meses declarava o seu amor pelos Guided by Voices e nós acreditávamos... A "mentira" seria desculpável se o novo disco fosse um disco convincente, o que, decididamente, não é. Tal como o antecessor, olha pelo retrovisor mas deixa a evidência de ir beber às fontes erradas. "Die", por exemplo, vive num limbo de indefinição entre o hard-rock bafiento de setentas e o glam retardado. É apenas um dos vários temas pródigo em solos de guitarras que cospem "azeite" em seu redor. Igualmente ricos em teor de gorduras, a maioria dos temas mais calmos (em número considerável) deixam na boca o amargo sabor do tenebroso soft-rock da mesma altura. No começo do já bem conhecido "Vomit" ainda há um assomo do Jason Pierce afectado que assombrava Album, mas este cedo dá lugar a uma variação daquele híbrido viscoso que na segunda metade de oitentas disputava as ondas hertzianas com o raçudo hair-metal. Bem esprimido, Father... ainda rende uma par de canções dignas de nota: uma delas é "Alex", contaminada por laivos power-pop que não ficariam mal nos Teenage Fanclub "maduros"; a outra é "Saying I Love You", um docinho que tresanda a fifties e - mais importante - recupera o Owens pateta que outrora nos seduziu. Duas em onze possíveis é muito pouco vindo de quem já nos deu tanto, mas nada que me impeça de vaticinar para Father... um futuro risonho. É que, não sei se já repararam, estes são tempos muito dados ao branqueamento de atrocidades musicais que, por decreto, não deveriam sequer ser mencionadas...

"Saying I Love You" [True Panther, 2011]

Sonhos cor-de-rosa

2011-09-13T22:53:00.002+01:00

Na produção musical actual é crescente a fatia ocupada pelos projectos dados à deriva sónica com vista aos estados alterados da mente. Com especial incidência nos Estados Unidos, mas um pouco por todo o globo, as ondas de distorção e as generosas doses de ruído disseminam-se pela vastidão do universo indie. Em terras do Tio Sam já não é novidade para ninguém que grande parte das novas bandas sejam recebidas com os prefixos dream, noise, ou psych, antes do substantivo pop.

Mais um nome para juntar ao extenso rol de adictos dos pedais de efeitos, os Pink Playground são um duo texano de Houston. Nas press-releases do futuro primeiro álbum fala-se em camadas densas de ruído contundente, melodias açucaradas embora difusas, e em estados anestesiados. Fala-se também em paralelismos com os primórdios dos Mary Chain, quando a banda dos irmãos Reid afrontava o mundo pop com uma proposta que haveria de mudar os seus desígnios. Mas isso é algo que apenas poderemos confirmar lá para o final do mês, quando a incansável e multifacetada Mexican Summer lançar Destination Ecstasy. Por ora, e baseando-me apenas em amostras do passado recente, prefiro situar os Pink Playground entre as estruturas líquidas dos My Bloody Valentine e as paisagens celestiais dos Cocteau Twins. Esta tese é suportada pela música que acompanha o belíssimo vídeo que recupera imagens de um velho filme de Philippe Garrel.

"Come Find Me" [Downwards, 2011]

Discos pe(r)didos #57

2011-09-12T22:38:00.001+01:00

THROWING MUSES
The Real Ramona
[4AD, 1991]

Banda emblemática na chamada "cena de Boston" (embora tenham origem noutras paragens), os Throwing Muses constituem um daqueles raros casos de sonoridades únicas, com as quais é difícil estabelecer comparações óbvias. Obviamente movidos pelo leque de ideias gerados pelo pós-punk, souberam criar uma linguagem própria, assente em estruturas pouco previsíveis e canções que, na sua aparente fragilidade, vivem num denso ensombramento. Como imagens de marca têm o timbre invulgar de Kristin Hersh, ela que com a meia-irmã Tanya Donelly fundou a banda ainda durante a adolescência de ambas, e os floreados delicados das guitarras. Foram também responsáveis pela "descoberta" dos Pixies, banda amiga que rapidamente os ultrapassou em termos de mediatismo.

Se numa primeira fase os discos dos Muses se pautam por alguma agrura impenetrável, nos primeiros meses de 1991, e longe de imaginar a revolução indie/"alternativa" que estava reservada para a parte final do ano, atingiram o seu ponto óptimo com um disco que faz a ponte com a via mais directa do futuro. O que equivale a dizer que, até àquela data, The Real Ramona era o mais acessível ao ouvinte médio dos quatro álbuns editados, sem que, contudo deixe de exorcisar os fantasmas de Hersh. De resto, essa vertente torturada está bem patente "Ellen West", tema que leva o nome de uma conhecida paciente de anorexia nervosa e que é dos mais tensos, tanto na voz como na música, de todo o álbum. Apesar desta e de uma ou outra concessão à negritude, a luminosidade é uma certeza desde o primeiro instante com "Counting Backwards", canção de uma leveza assumidamente pop e assente num ritmo quebrado comandado pela batida atípica de David Narcizo. No que respeita aos temas da autoria de Hersh (dez dos doze do alinhamento), a delicadeza é apenas superada por "Red Shoes", de um brilho cintilante capaz de comover o mais empedernido dos seres. Neste, a voz única da cantora eleva-se no seu registo entre o trémulo e grito abafado. Equiparável seria "Grafitti", não fosse a maior previsibilidade da estrutura. O contrário pode-se dizer de "Hook In Your Head", o tema mais longo de todo o disco e também o mais ambicioso, com mudanças de tempo constantes. Na metade final, as ribombar das pancadas secas de Narcizo ecoam de forma absolutamente demolidora, até quase desviarem por completo a atenção das descargas de distorção. No final do alinhamento, "Two Step" é uma semi-balada que justifica as alusões hawaiianas de título e capa e que não está longe de alguns temas dos comparsas Pixies.

Com o seu contributo composicional reduzido a um par de temas, Tanya Donelly chama a si o troféu pop com "Not Too Soon", gema irresistivelmente vaporosa que deixa bem demarcada a diferença de densidade que sempre a separou da escrita da meia-irmã. Menos imediata, "Honeychain" inicia-se em registo de canção-de-embalar até rebentar numa explosão de guitarras perfurantes para, logo em seguida, recuperar o ambiente diáfano.

Talvez insatisfeita com o papel secundário, Donelly abandonou a banda pouco depois da edição de The Real Ramona. Consigo levou o baixista Fred Abong que integrou na formação dos Belly, projecto de vida breve mas bem sucedido na exploração da veia pop que parecia aflorar nos Muses. Kristin Hersh seguiu o trajecto, sempre acompanhada do fiel baterista David Narcizo. Numa fase imediata registou um endurecer da sonoridade, em consonância com as tendências da altura. Talvez mercê da citada "revolução", foi nesse ponto que os Throwing Muses conheceram o maior sucesso comercial, inclusive junto do público americano que sempre os olhou com maior distanciamento que o britânico.

"Counting Backwards"

"Red Shoes"

"Not Too Soon"

Ao vivo #69

2011-09-11T18:07:00.000+01:00

Six Organs of Admittance @ Teatro Maria Matos, 10/09/2011

Com uma carreira que remonta aos últimos anos do século passado, Ben Chasny é dos mais produtivos e bem relacionados músicos do actual circuito musical catalogável como leftfield. Na sua obra como Six Organs of Admittance distinguem-se duas diferentes facetas: uma mais dada aos derivados da "folk erudita" instituída pelo lendário John Fahey, e outra mais alinhada com as expressões drone. No todo, prevalece a primeira, também dominante no recente Asleep On The Floodplain.

Não é por isso de estranhar, e até porque se apresenta em solitário, que na noite de ontem Chasny enverede pela via acústica, pontuada por complexos rendilhados e uma boa dose de intimismo. Para o receber tem um auditório com uma lotação perto de estar completa e que sabe ao que vem, ou não fosse o músico californiano um habitué nos pequenos palcos deste país. A empatia, quase a roçar a reverência, fica bem patente na intensidade dos aplausos ao fim de cada música. E merecidos, diga-se, pois além da delicadeza das peças, apesar da exigência técnica tocadas com um desprendimento alarmante, Chasny ainda brinda o público com tiradas de um humor refinado. Menos virtuoso que alguns dos seus aparentados (James Blackshaw ou o malogrado Jack Rose, por exemplo), investe mais na criação de ambientes, normalmente de uma melancolia a roçar o sombrio. Para tal, recorre mais abundantemente aos tons graves e usa o trunfo da voz que, sem ser de excepção, tem uma expressividade assinalável numa escala que vai do murmúrio tímido ao exuberante falsetto. No final, e de ambas as partes, fica a sensação de um pequeno pedaço de serão bem passado entre amigos de longa data.

Thank you for the days, those endless days, those sacred days you gave me

2011-09-08T22:12:00.001+01:00

Seja em conversas propriamente ditas, seja em "fóruns virtuais" em que participe, e sempre que a ocasião se proporciona, não perco o ensejo de louvar as qualidades dos Real Estate. Se bem se lembram, foram estes quatro rapazes de Nova Jérsia que, há coisa de dois anos, nos proporcionaram um primeiro álbum - homónimo - que é espécie rara nos tempos que correm. Disco de combustão lenta, em tons sépia e com aromas de Verão mais dado ao ócio que ao buliço, Real Estate é daquelas peças musicais que se vão entranhando gradualmente até à rendição total. E para essa, refira-se, também teve forte contributo o trio de concertos a que tive o prazer de assistir (dois deles em dias seguidos!), todos eles testemunhos de uma banda que sente a música que executa com sentimento mas sem maneirismos exibicionistas.

Ainda que no meu círculo de conhecimentos os esforços se mostrem algo inglórios, apraz-me registar que noutras partes do mundo alguém reconhece o potencial da simplicidade dos Real Estate. É o caso da gigantesca independente Domino Records, que recentemente os resgatou à pequena mas influente Woodsist. Já será pela editora londrina que sairá, em meados de Outubro próximo, Days, o tão esperado segundo álbum. Mais abaixo está disponível o primeiro avanço, uma pequena pérola que, apesar de levantar ligeiramente o filtro granuloso do anterior registo, mantém intacta a pureza das melodias em círculo. Aqui e ali, as sempre redutoras comparações aos benditos regressados The Feelies vão subindo de tom. Só boas pistas, portanto...

"It's Real" [Domino, 2011]

TPM

2011-09-07T22:50:00.000+01:00

Foto: keeks' camera

Quem aqui vem com alguma regularidade, e ainda se dá ao trabalho de ler estas linhas toscas, sabe da minha devoção pelos Male Bonding, seguramente uma das mais estimulantes bandas da "cena" britânica actual. Já que volto a falar neles, aproveito para recomendar o novíssimo Endless Now, excelente álbum menos dado aos impulsos punky de outrora e mais reminiscente do melhor indie-rock de noventas. Quem procura esse lado mais incisivo do trio londrino, ou de parte dele, pode localizar Kevin Hendrick e John Arthur Webb, respectivamente guitarrista e baixista, ambos vocalistas, como integrantes dos PRE, banda prévia em que ainda militam. Na mesma formação pontifica Akiko Matsuura, a japonesa emigrada que conhecemos como líder dos incendiários Comanechi e como baterista de palco dos sobre-valorizados The Big Pink.

Ultimamente menos activos devido às actividades extra dos seus membros, os PRE contam já com dois álbuns e um bom punhado de singles no currículo. A receita é uma música acelerada, com temas curtos e incisivos, situada numa nebulosa onde se intersectam punk, noise e atitude riot grrrl. Normalmente, o ritmo fustigador é movido por um baixo monstruoso, ao qual se juntam as guitarras afiadas como lâminas e os guinchos possessos. Porém, rezam as crónicas que a verdadeira essência dos PRE se liberta em palco. É neste habitat que a pequena nipónica, também conhecida pelo sugestivo cognome Exceedingly Good Keex, se assume como uma das mais endiabradas mulheres do rock actual. Consta que, no meio da berraria, as performances da dita incluem muito suor e doses massivas de stage diving e crowd surfing com poucos ou nenhuns adereços (leia-se roupa). Depois desta descrição, já vos imagino a sentir saudades dos primeiros tempos de uma tal Karen O... Não?! Então vejam o imaginativo vídeo, tendo presente que a música propriamente dita só começa lá para os 2'40'':

"Teenage Lakes" [Skin Graft, 2009]

Mil imagens #22

2011-09-06T22:50:00.001+01:00

The Stone Roses - Manchester, 1989

[Foto: Kevin Cummins]

Razões para sorrir

2011-09-06T22:34:00.001+01:00

Reza a lenda que, durante as gravações daquilo que deveria ter sido SMiLE, Brian Wilson não aguentou a pressão das expectativas criadas depois do magistral Pet Sounds (1966) e meteu o projecto na gaveta. Iniciava-se assim uma espiral de debilidade mental, até ao quase total desaparecimento das lides musicais, e nascia o mito do mais célebre "disco perdido" de sempre, o mais desejado por milhões de melómanos. Mesmo tendo em conta que muitas das faixas previstas tenham surgido em álbuns posteriores dos Beach Boys e que o próprio Brian Wilson, renascido e renovado, nos tenha presenteado, em 2004, com aquela que poderia ser a "versão acabada" do disco que tinha imaginado conjuntamente com Van Dyke Parks.

E eis que, com o Verão provavelmente ainda para durar, mas já com o mercado de Natal no horizonte, a Capitol anuncia para 31 de Outubro a edição das chamadas The SMiLE Sessions. Afinal de contas, é destes produtos atractivos, que recuperam a memória, que a indústria musical se vai alimentando nesta era da música para todos e sem qualquer custo. Consta que, no "polimento" das gravações originais estiveram envolvidos os sobreviventes Wilson, Al Jardine e Mike Love. Como é hábito, a coisa surge em diferentes formatos. O mais convencional, e mais acessível para a maioria das carteiras, é a edição em duplo CD (ou duplo LP) que, segundo os envolvidos, pretende ser uma versão muito próxima do álbum intentado acrescido de um bom número de extras. Depois há o inevitável boxset, o mais apetecível, mas provavelmente a preços proibitivos, que vem envolvido numa caixa capaz de deixar os olhos com água-na-boca. Lá dentro estão cinco CDs, dois LPs, dois 7" (Heroes And Villains e Good Vibrations), e um livro de 60 páginas. Os realmente endinheirados, dispõem ainda da possibilidade de adquirir umas dos exemplares da edição deluxe da "caixa", autografada e acompanhada de uma longboard semelhante à da foto. Vá lá, deitem essa coisa feia que é a inveja para trás das costas e libertem essas boas vibraçoes...

"Good Vibrations" [Capitol, 1966]

A festa do pijama

2011-09-03T16:28:00.000+01:00

Hoje com 53 anos, o neozelandês Neil Finn já dedicou três quartos da sua vida à causa da música popular. Ainda juvenil, juntou-se aos Split Enz, o combo com pretensões arty liderado pelo irmão Tim que, em matéria de criatividade, deixa boa parte dos new-wavers ocidentais contemporâneos a milhas de distância. Já como timoneiro, integrou os bem conhecidos Crowded House, grupo de artífices pop que só não tem maior reconhecimento por causa da aversão que parte da geração de oitentas, presa no negrume bacoco, parece ter ao sucesso. No campo das actividades paralelas, refira-se que foi um dos responsáveis, juntamente com a esposa Sharon, pela reactivação da lendária Flying Nun Records, editora que estabeleceu aquele arquipélago do Pacífico como o autêntico paraíso indie.

Segundo o próprio, com a saída dos filhos de casa (relembre-se que o mais velho, Liam, tem carreira musical bastante consolidada), o casal ficou com demasiado tempo livre. Vai daí, convocaram os amigos Sean Donnelly, com vasta obra publicada sob a sigla JBS, e Alana Skyring (The Grates) e, juntos, fundaram os Pajama Club. O nome original da banda, nascida já no decorrer deste ano de 2011, era Pajama Party mas, por imperativos leagis, viu-se obrigada à pequena mudança. Nos escassos meses junto, o quarteto gravou já um álbum homónimo, com lançamento europeu previsto para dentro de duas semanas. Por aí já circulam uns quantos temas avulsos, e que revelam uma pop canónica e melodiosa, mas rica em pormenores. Este, por exemplo, não esconde a incurável reverência do mais sonante dos membros dos Pajama Club pela mestria pop dos fab four, ao mesmo tempo que faz a ponte com o que de melhor se fazia há perto de vinte anos.

"From A Friend To A Friend" [Lester, 2011]

Supremos idiotas encaixotados

2011-09-02T23:11:00.001+01:00

Hoje perdidos nas páginas do tempo, os Supreme Dicks são uma banda essencial para a compreensão das orientações da música dita "alternativa" dos últimos 30 anos. Oriundos de Amherst, Massachusetts, a mesma cidadezita que pariu os Dinosaur Jr., iniciaram actividades ainda em alvores da década de 1980. Nesse período, e apesar da considerável obscuridade, tiveram forte impacto em bandas como os citados Dinosaur Jr. (Lou Barlow foi, inclusive, um membro não permanente) e Sonic Youth, e consequentemente na explosão altern-rock de inícios da década seguinte. Apenas aqui, já com o underground virado do avesso e amadurecidos como banda atípica para quaisquer parâmetros, chegaram aos álbuns, que editaram em número de dois, ambos com selo da histórica Homestead Records: The Unexamined Life (1993) e The Emotional Plague (1996). Contrário ao consenso geral, prefiro o primeiro, um disco incatalogável que mistura estilhaços de folk pastoral, kraut, pop esquizóide, noise, e o que mais vier à rede. Já o segundo, talvez até mais dado à experimentação, mergulha mais profundamente nas questões existencialistas, no surrealismo beefheartiano, e também nas raízes do americana. Ambos foram fonte de inspiração para largo espectro da música popular leftfield que lhes sucedeu, seja o post-rock menos estandardizado, seja a neo-psicadelia que tem aflorado na última década e meia, ou ainda boa parte dos integrantes do colectivo Elephant 6.

Para os curiosos e para os saudosistas, e atendendo a que os discos dos Supreme Dicks estão há muito indisponíveis no mercado, parece haver boas notícias. Consta que, lá para meados de Outubro próximo, por iniciativa da Jagjaguwar, toda a discografia da banda estará disponível através do boxset Breathing And Not Breathing. Ao todo, são quatro CDs que, além dos dois álbuns de estúdio, reúnem ainda a compilação de temas dos primórdios Workingman's Dick (1994), originalmente editada apenas na Europa, e o EP This Is Not A Dick (1996), acompanhado de um bom número de inéditos. Em simultâneo, ocorrerá também a reedição do par de álbuns em vinil. Agora, vá lá, não sejam dicks e tratem de ouvir. Depois vão escrever ao Pai Natal...

"Jack-O-Lantern" [Homestead, 1993]

"Swell Song" [Homestead, 1996]